Vers 1840–1940 · Visage, travail et milieu social sans idéalisation obligatoire

Le portrait réaliste regarde la personne dans son monde : vêtement, intérieur, métier, fatigue et tension deviennent aussi importants que la ressemblance du visage.

À partir du milieu du XIXe siècle, de nombreux artistes refusent que le portrait soit seulement un hommage flatteur. Courbet se montre dans Le Désespéré avec une proximité qui transforme l’autoportrait en crise physique. Whistler réduit le récit autour de sa mère à une organisation austère de profil, de robe noire et de gris. Thomas Eakins situe Max Schmitt dans son skiff : le portrait devient étude d’un corps entraîné, d’un lieu précis et d’une activité moderne. Au XXe siècle, Grant Wood donne à American Gothic la précision frontale d’un document tout en maintenant une ambiguïté entre respect, satire et construction identitaire. Repin, Zorn, Sorolla, Krøyer, Liebermann et Corot ajoutent d’autres rapports entre psychologie, lumière et condition sociale. Le réalisme ne signifie donc pas neutralité photographique. Il repose sur des choix de cadrage, de matière et de contexte qui font du modèle une personne située plutôt qu’un type idéal. La sélection « Portraits réalistes » met notamment en regard American Gothic et La Mère de Whistler, Arrangement en gris et noir n°1. Sa lecture privilégie la lumière.

Le portrait réaliste ne promet pas l’absence de mise en scène : il rend la mise en scène assez concrète pour que milieu, corps et caractère deviennent lisibles ensemble.