Vers 1905–1935 · Corps, couleur et identité sous pression

Le portrait expressionniste ne protège plus le visage : angle, couleur, contour et matière rendent visibles la tension psychique, le deuil, la ville et la fragilité du corps moderne.

Au début du XXe siècle, l’expressionnisme transforme le portrait en champ de forces. Käthe Kollwitz grave et dessine la perte avec une économie de noir qui donne aux mains et aux corps une puissance collective. Kirchner fracture silhouettes et couleurs : dans l’autoportrait en soldat, la main coupée imaginaire dit la peur de perdre sa capacité de créer. Beckmann se représente en smoking avec une frontalité presque théâtrale, utilisant le rôle social comme armure. Schiele isole ses figures sur le papier, tord articulations et contourne le corps de vide afin de rendre l’identité instable. Jawlensky, Modersohn-Becker, Munch, Soutine, Kahlo et d’autres artistes montrent que cette intensité dépasse une seule école allemande. Le portrait expressionniste ne cherche pas d’abord à embellir ou à documenter. Il réorganise le visible pour rendre l’expérience intérieure plus immédiate que la description anatomique. La sélection « Portraits et figures expressionnistes » met notamment en regard Femme avec enfant mort et Autoportrait en soldat. Sa lecture privilégie la composition.

Dans la figure expressionniste, la déformation n’éloigne pas de la personne : elle rapproche de la tension que la ressemblance seule ne suffirait pas à montrer.