Années 1880–1914 · Visage, identité et surface moderne

Le portrait postimpressionniste abandonne l’unité du modèle académique : couleur, contour et décor rendent visibles tempérament, rôle social et regard de l’artiste sur lui-même.

Après l’impressionnisme, le portrait devient un champ d’expériences profondément personnelles. Van Gogh multiplie les autoportraits et peint le docteur Gachet avec une ligne ondulante, des bleus intenses et une mélancolie assumée. Gauguin et Émile Bernard utilisent l’autoportrait comme déclaration esthétique, associant leur visage à des œuvres, des symboles ou des couleurs qui revendiquent une position d’artiste. Cézanne construit lentement le modèle par plans, sans sacrifier la présence à la géométrie. Les néo-impressionnistes comme Théo van Rysselberghe divisent la couleur jusque dans le visage, conciliant ressemblance et vibration. Vallotton simplifie le portrait en masses franches et rapports psychologiques, tandis qu’Odilon Redon déplace les yeux, le rêve et l’intériorité vers le symbolisme. Schiele, héritier plus tardif de ces ruptures, pousse contour et posture jusqu’à une intensité nerveuse. L’autoportrait n’est plus seulement souvenir du visage : il affirme une identité artistique en construction. La sélection « Portraits et autoportraits post-impressionnistes » met notamment en regard Portrait du docteur Gachet et Moi-même, portrait-paysage. Sa lecture privilégie le mouvement.

Dans le portrait postimpressionniste, ressembler ne suffit plus : le modèle doit exister dans une organisation de couleur, de ligne et de tension.