Vers 1540–1620 · Dévotion, portrait de cour et vision d’El Greco

Le maniérisme espagnol transforme l’élégance italienne en intensité spirituelle : corps allongés, lumière irréelle et visages recueillis répondent à la cour et à la Réforme catholique.

Au milieu du XVIe siècle, la peinture espagnole reçoit les innovations italiennes par les voyages, les estampes, les collections royales et la présence d’artistes étrangers. Le terme de maniérisme recouvre ici plusieurs réponses. À Valence, Juan de Juanes combine la clarté de Raphaël avec une dévotion précise, adaptée aux retables et à l’image eucharistique. En Estrémadure, Luis de Morales resserre Vierge, Christ et Pietà dans de petits formats où l’émotion devient presque tactile. À la cour de Philippe II, Alonso Sánchez Coello organise le portrait par la frontalité, le costume noir, le bijou et une distance cérémonielle rigoureuse. Doménikos Theotokópoulos, dit El Greco, arrive à Tolède en 1577 après la Crète, Venise et Rome. Il pousse plus loin l’allongement, les perspectives instables, la couleur froide et la lumière intérieure. Résurrection, Expolio, saints et portraits semblent appartenir simultanément au monde matériel et à une vision. Loin d’être une simple copie de l’Italie, le maniérisme espagnol adapte la maniera aux attentes d’une société de cour, aux commandes ecclésiastiques et à une culture de méditation intense. La sélection « Maniérisme espagnol » met notamment en regard La Résurrection du Christ et Portrait de l’infante Catherine-Michelle. Sa lecture privilégie la composition.

En Espagne, la maniera ne cherche pas seulement la virtuosité : elle donne au portrait une discipline et à l’image religieuse une tension de présence.