Du XVIIe au XXe siècle · Botanique, symbole, décor et expérimentation

De Clara Peeters et Arellano à Van Gogh, Kōrin, Schiele et Soutine, la fleur passe de l’inventaire botanique à la vanité, du décor au rythme et de l’observation à l’expression.

La peinture florale traverse les écoles parce qu’elle unit une forme immédiatement reconnaissable à une liberté presque infinie de couleur, de matière et de composition. Dans l’Europe du XVIIe siècle, l’essor des jardins, du commerce des plantes et de l’illustration botanique nourrit des bouquets qui rassemblent parfois des espèces impossibles à voir fleurir ensemble. Clara Peeters observe gouttes, morsures d’insectes et pétales fanés ; Juan de Arellano orchestre l’abondance ; Nicolaes van Veerendael conjugue précision et somptuosité. Beauté et fragilité peuvent alors rappeler le passage du temps. Le genre offre aussi aux femmes artistes un espace professionnel important, alors que l’étude du modèle nu leur est souvent interdite. Au XIXe siècle, Vallayer-Coster, Fortuny, Chase ou Van Gogh déplacent l’attention vers la touche, l’éclairage et l’expérience sensible. Les iris de Van Gogh deviennent rythme coloré ; ceux d’Ogata Kōrin, sur paravent, organisent l’espace décoratif japonais par répétition et intervalle. Au XXe siècle, Modersohn-Becker, Schiele, Ensor et Soutine simplifient, tordent ou intensifient la fleur. Cette collection permet donc de comparer quatre siècles sans réduire le sujet à la décoration : chaque bouquet parle aussi de science, de saison, de mémoire, d’identité et de peinture elle-même. La sélection « Peintures de fleurs et bouquets » met notamment en regard Nature morte au cardon, au francolin, aux raisins et aux iris et Roses trémières. Sa lecture privilégie l’atmosphère.

Une fleur peinte ne fane pas, mais elle conserve la conscience de sa fragilité : c’est cette tension entre durée de l’image et brièveté du vivant qui renouvelle le genre.