Peinture japonaise : 100 œuvres célèbres de Sesshū à Foujita

Les premiers rangs réunissent les images qui ont réellement façonné la mémoire de l'art japonais : La Grande Vague de Kanagawa, Pins dans la brume, les Iris de Kōrin, les Dieux du Vent et du Tonnerre de Sōtatsu, le Fuji rouge et l'averse de Hiroshige. Leur célébrité vient d'une silhouette, d'un rythme et d'un cadrage que l'on reconnaît souvent avant d'avoir lu le cartel.

Hokusai donne au mont Fuji plusieurs vies. La Grande Vague le réduit à un triangle calme sous une mer gigantesque; le Fuji rouge le rend monumental; Ejiri, Kajikazawa et le pont Mannen le transforment en repère autour duquel le vent, le travail et l'architecture organisent l'image. Une montagne immobile, beaucoup d'idées en mouvement.

Hiroshige peint la météo avec des blocs de bois, de l'encre et une science redoutable du cadrage. Averse soudaine sur Shin-Ōhashi, Pluie battante à Shōno, Neige du soir à Kanbara et Jardin des pruniers à Kameido installent pluie, neige, ponts et arbres au premier plan. Même le mauvais temps y possède une excellente direction artistique.

Les œuvres narratives changent la visite en parcours. L'Attaque nocturne du palais Sanjō déploie la panique d'une bataille sur plusieurs mètres; les scènes de Kyoto organisent rues, palais et foules comme une ville miniature. Le regard avance, revient et se perd parfois dans un détail, ce qui reste une manière très honorable de manquer sa sortie.

Sōtatsu, Kōrin, Hōitsu et Suzuki Kiitsu font circuler l'esprit Rinpa à travers les siècles. Dieux du Vent et du Tonnerre, Iris, Pruniers rouges et blancs, Vagues violentes ou Volubilis associent or, aplats, répétitions et asymétrie. Les fleurs restent des fleurs, mais elles deviennent aussi rythme, surface et architecture; le jardin a visiblement suivi des cours de composition.

Jakuchū, Maruyama Ōkyo et Nagasawa Rosetsu regardent le monde vivant avec une précision qui ne sacrifie jamais l'étrangeté. Coqs, poissons, grues, tigres, éléphant blanc et taureau noir occupent le cadre comme des présences individuelles. Le célèbre tigre de Rosetsu semble d'ailleurs assez conscient de son effet, même si personne n'a encore réussi à lui demander de signer le registre des visiteurs.

Les portraits et les figures relient peinture, littérature, religion et histoire. Beauté se retournant, Takami Senseki, Maiko ou Wang Zhaojun ne représentent pas simplement un modèle : costume, posture, décor et silence précisent une époque. Le visage garde son calme pendant que tout le tableau travaille autour de lui, excellente délégation des tâches.

Au XIXe siècle, Hokusai, Hiroshige, Utamaro, Katsushika Ōi, Kawanabe Kyōsai et Kanō Hōgai déplacent les frontières entre tradition et invention. Les estampes sont retenues lorsqu'elles comptent parmi les images japonaises les plus célèbres, et leur technique est nommée sans les déguiser en peintures. Le bois gravé n'a nul besoin d'une moustache postiche pour entrer dans l'histoire de l'art.

La modernisation de l'ère Meiji et du début du XXe siècle ouvre plusieurs voies. Kuroda Seiki développe le Yōga tandis que Yokoyama Taikan, Uemura Shōen, Hishida Shunsō, Murakami Kagaku et Tsuchida Bakusen renouvellent le Nihonga. Au bord du lac, Nu, Route taillée dans la colline, Flamme, Kiyohime ou La Servante du bain ne racontent pas un abandon de la tradition, mais une conversation parfois calme, parfois électrique avec le présent.

Foujita prolonge cette histoire entre Tokyo et Paris. Ses œuvres demeurent protégées et sont donc documentées par le lien vers la collection officielle du Pola Museum plutôt que par une image copiée sans autorisation. Le parcours s'arrête à son époque, lorsque la ligne japonaise, l'huile occidentale et l'École de Paris se rencontrent sur une surface devenue immédiatement reconnaissable. Même la modernité, parfois, sait arriver avec un pinceau très fin.