100 peintures — classement canadien
Peinture canadienne : 100 tableaux du Groupe des Sept à Riopelle
Un classement éditorial des peintures les plus structurantes, construit à partir de la boutique Alpha Reproduction et de trois collections muséales canadiennes.
Tom Thomson, les membres du Groupe des Sept, Emily Carr, David Milne et Jean Paul Riopelle composent une histoire où territoire, climat et couleur ne cessent de se transformer.
De l’icône aux prolongements
Un classement, pas une chronologie
La peinture canadienne moderne ne se réduit pas à l’image d’une nature intacte. Elle naît d’un travail sur le cadrage, la couleur et la matière : peindre vite sur le motif, simplifier une montagne, faire vibrer un rivage ou transformer la toile en champ d’énergie.
Le Pin gris, Le Vent d’ouest, la Rive nord du lac Supérieur et Le Jardin sauvage ouvrent un parcours organisé par importance artistique.
Vingt-cinq tableaux utilisent les images et liens actifs d’Alpha Reproduction. Les soixante-quinze autres renvoient aux pages du Musée des beaux-arts du Canada, du McMichael et du Musée des beaux-arts de Montréal.
Les 100 peintures en images
Les œuvres les plus décisives de Tom Thomson, du Groupe des Sept, d’Emily Carr et de Riopelle ouvrent le classement.
#1
Le pin gris
Avec « Le pin gris », Tom Thomson transforme un lieu observé en construction picturale. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. Les arbres ne jouent pas le rôle d’un simple cadre naturel. Troncs, branches et feuillages forment une trame qui mesure l’espace et rend sensible la poussée du vivant. Datée 1916–1917, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#2
Le Vent d'ouest
« Le Vent d'ouest » montre comment Tom Thomson fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1916–1917, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#3
Rivière du Nord
Dans « Rivière du Nord », Tom Thomson privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. La gamme froide et les intervalles lumineux font du climat un sujet à part entière. La neige ou la glace ne recouvre pas la composition : elle en révèle les lignes de force. Datée 1914–1915, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#4
Rive nord du lac Supérieur
La force de « Rive nord du lac Supérieur » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. Lawren S. Harris simplifie les formes jusqu’à donner au lac, au rocher et au ciel une présence presque spirituelle. Les volumes clairs et les silences entre les plans rendent le paysage monumental. La gamme froide et les intervalles lumineux font du climat un sujet à part entière. La neige ou la glace ne recouvre pas la composition : elle en révèle les lignes de force. Datée 1926, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Musée des beaux-arts du Canada · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#5
Le Jardin sauvage
Sous son apparente simplicité, « Le Jardin sauvage » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. J.E.H. MacDonald organise le paysage par masses colorées, lignes ascendantes et contrastes de lumière. Sa peinture relie l’observation d’un lieu précis à une volonté décorative qui agrandit la sensation de territoire. Les arbres ne jouent pas le rôle d’un simple cadre naturel. Troncs, branches et feuillages forment une trame qui mesure l’espace et rend sensible la poussée du vivant. Datée 1916, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Musée des beaux-arts du Canada · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#6
Temps d’orage, baie Georgienne
Avec « Temps d’orage, baie Georgienne », F.H. Varley transforme un lieu observé en construction picturale. F.H. Varley traite le paysage comme un état sensible. Les couleurs modulées et les contours souples font passer l’image de la description géographique à une atmosphère intérieure. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1921, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Musée des beaux-arts du Canada · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#7
L’Érable rouge
« L’Érable rouge » montre comment A.Y. Jackson fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. A.Y. Jackson parcourt le pays et transforme ses routes, villages, neiges et reliefs en compositions souples. Les diagonales et les courbes conduisent le regard sans figer l’espace en simple panorama. Les arbres ne jouent pas le rôle d’un simple cadre naturel. Troncs, branches et feuillages forment une trame qui mesure l’espace et rend sensible la poussée du vivant. Datée 1914, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Musée des beaux-arts du Canada · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#8
Le Pin blanc
Dans « Le Pin blanc », A.J. Casson privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. A.J. Casson simplifie villages, collines et lacs en grandes formes ordonnées. Cette géométrie calme prolonge l’héritage du Groupe des Sept tout en affirmant une sensibilité plus silencieuse. Les arbres ne jouent pas le rôle d’un simple cadre naturel. Troncs, branches et feuillages forment une trame qui mesure l’espace et rend sensible la poussée du vivant. Datée vers 1957, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Musée des beaux-arts du Canada · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#9
La Maison du guide, Algonquin
La force de « La Maison du guide, Algonquin » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. Arthur Lismer privilégie les rivages robustes, les forêts denses et les mouvements de terrain. Sa touche énergique donne au paysage canadien une matérialité vive, faite d’accidents, de reprises et de tensions. L’architecture et le chemin introduisent une présence humaine sans interrompre le rythme du territoire. Les volumes bâtis deviennent des repères de couleur et d’échelle. Datée 1914, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Musée des beaux-arts du Canada · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#10
Mont Lefroy
Sous son apparente simplicité, « Mont Lefroy » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. Lawren S. Harris simplifie les formes jusqu’à donner au lac, au rocher et au ciel une présence presque spirituelle. Les volumes clairs et les silences entre les plans rendent le paysage monumental. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1930, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Musée des beaux-arts du Canada · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#11
Île Pic
Avec « Île Pic », Lawren S. Harris transforme un lieu observé en construction picturale. Lawren S. Harris simplifie les formes jusqu’à donner au lac, au rocher et au ciel une présence presque spirituelle. Les volumes clairs et les silences entre les plans rendent le paysage monumental. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée vers 1924, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Musée des beaux-arts du Canada · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#12
Un village haïda
« Un village haïda » montre comment Emily Carr fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. Emily Carr construit la forêt et le rivage de la côte Ouest comme des organismes en mouvement. Les courbes montantes, les masses sombres et la lumière créent une sensation de croissance continue. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée vers 1929, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à modernité de la côte ouest et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#13
Or d’octobre
Dans « Or d’octobre », Franklin Carmichael privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. Franklin Carmichael recherche une clarté de structure où les troncs, les collines et les reflets s’emboîtent avec précision. La couleur lumineuse ne décrit pas seulement la saison : elle règle toute l’architecture de l’image. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1922, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#14
Noir
La force de « Noir » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. David Milne réduit souvent la scène à quelques lignes nerveuses, des réserves et des accords de couleur espacés. Cette économie transforme une maison, une vallée ou une fleur en équilibre pictural autonome. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1914, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à modernité canadienne et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#15
Autriche III
Sous son apparente simplicité, « Autriche III » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. Jean Paul Riopelle pousse la peinture canadienne vers une abstraction dense et mobile. La couleur appliquée au couteau ou par larges gestes devient une matière vivante où le paysage demeure présent sans être littéralement décrit. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1954, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à abstraction lyrique et automatisme et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Musée des beaux-arts de Montréal · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#16
L’étang – Hommage à Grey Owl
Avec « L’étang – Hommage à Grey Owl », Jean Paul Riopelle transforme un lieu observé en construction picturale. Jean Paul Riopelle pousse la peinture canadienne vers une abstraction dense et mobile. La couleur appliquée au couteau ou par larges gestes devient une matière vivante où le paysage demeure présent sans être littéralement décrit. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1970, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à paysage abstrait et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Musée des beaux-arts de Montréal · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#17
Eclipse Sound et île Bylot
« Eclipse Sound et île Bylot » montre comment Lawren S. Harris fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. Lawren S. Harris simplifie les formes jusqu’à donner au lac, au rocher et au ciel une présence presque spirituelle. Les volumes clairs et les silences entre les plans rendent le paysage monumental. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1930, cette peinture est réalisée à huile sur panneau de bois. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#18
Maisons de mineurs, baie des Glaciers
Dans « Maisons de mineurs, baie des Glaciers », Lawren S. Harris privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. Lawren S. Harris simplifie les formes jusqu’à donner au lac, au rocher et au ciel une présence presque spirituelle. Les volumes clairs et les silences entre les plans rendent le paysage monumental. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée vers 1925, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#19
Lac et montagnes
La force de « Lac et montagnes » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. Lawren S. Harris simplifie les formes jusqu’à donner au lac, au rocher et au ciel une présence presque spirituelle. Les volumes clairs et les silences entre les plans rendent le paysage monumental. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1928, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Musée des beaux-arts du Canada · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#20
Lac Maligne, parc Jasper
Sous son apparente simplicité, « Lac Maligne, parc Jasper » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. Lawren S. Harris simplifie les formes jusqu’à donner au lac, au rocher et au ciel une présence presque spirituelle. Les volumes clairs et les silences entre les plans rendent le paysage monumental. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1924, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Musée des beaux-arts du Canada · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#21
Rivière Montréal
Avec « Rivière Montréal », Lawren S. Harris transforme un lieu observé en construction picturale. Lawren S. Harris simplifie les formes jusqu’à donner au lac, au rocher et au ciel une présence presque spirituelle. Les volumes clairs et les silences entre les plans rendent le paysage monumental. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée vers 1920, cette peinture est réalisée à huile sur carton. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#22
Jungle canadienne
« Jungle canadienne » montre comment Arthur Lismer fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. Arthur Lismer privilégie les rivages robustes, les forêts denses et les mouvements de terrain. Sa touche énergique donne au paysage canadien une matérialité vive, faite d’accidents, de reprises et de tensions. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1946, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#23
Automne flamboyant
Dans « Automne flamboyant », A.J. Casson privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. A.J. Casson simplifie villages, collines et lacs en grandes formes ordonnées. Cette géométrie calme prolonge l’héritage du Groupe des Sept tout en affirmant une sensibilité plus silencieuse. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1936, cette peinture est réalisée à huile sur toile marouflée sur carton. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#24
Forêt d’Algoma
La force de « Forêt d’Algoma » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. J.E.H. MacDonald organise le paysage par masses colorées, lignes ascendantes et contrastes de lumière. Sa peinture relie l’observation d’un lieu précis à une volonté décorative qui agrandit la sensation de territoire. Les arbres ne jouent pas le rôle d’un simple cadre naturel. Troncs, branches et feuillages forment une trame qui mesure l’espace et rend sensible la poussée du vivant. Datée 1919, cette peinture est réalisée à huile sur panneau. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#25
Iceberg
Sous son apparente simplicité, « Iceberg » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. F.H. Varley traite le paysage comme un état sensible. Les couleurs modulées et les contours souples font passer l’image de la description géographique à une atmosphère intérieure. La gamme froide et les intervalles lumineux font du climat un sujet à part entière. La neige ou la glace ne recouvre pas la composition : elle en révèle les lignes de force. Datée vers 1938, cette peinture est réalisée à huile sur panneau de bois. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →Algoma, le parc Algonquin, le lac Supérieur et la baie Georgienne deviennent les laboratoires d’une peinture nationale moderne.
#26
Eaux bleues, baie Georgienne
Avec « Eaux bleues, baie Georgienne », A.Y. Jackson transforme un lieu observé en construction picturale. A.Y. Jackson parcourt le pays et transforme ses routes, villages, neiges et reliefs en compositions souples. Les diagonales et les courbes conduisent le regard sans figer l’espace en simple panorama. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée vers 1932, cette peinture est réalisée à huile sur panneau de bois. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#27
Dans le Nord
« Dans le Nord » montre comment Tom Thomson fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. La gamme froide et les intervalles lumineux font du climat un sujet à part entière. La neige ou la glace ne recouvre pas la composition : elle en révèle les lignes de force. Datée 1915, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#28
Première neige, Algoma
Dans « Première neige, Algoma », A.Y. Jackson privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. A.Y. Jackson parcourt le pays et transforme ses routes, villages, neiges et reliefs en compositions souples. Les diagonales et les courbes conduisent le regard sans figer l’espace en simple panorama. La gamme froide et les intervalles lumineux font du climat un sujet à part entière. La neige ou la glace ne recouvre pas la composition : elle en révèle les lignes de force. Datée entre 1919 et 1920, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#29
Les Tonnerres
La force de « Les Tonnerres » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. Frank Johnston intensifie la lumière et les contrastes du Nord. Ses accords colorés donnent aux eaux, aux terres noyées et aux forêts une netteté presque théâtrale. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée vers 1922, cette peinture est réalisée à huile sur panneau. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#30
Le Violoncelliste
Sous son apparente simplicité, « Le Violoncelliste » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. Edwin Holgate associe observation rigoureuse et construction solide. Le relief, les arbres et la neige s’ordonnent en plans francs qui donnent au paysage sa stabilité et sa profondeur. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1923, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à modernité canadienne et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#31
Vieil arbre au crépuscule
Avec « Vieil arbre au crépuscule », Emily Carr transforme un lieu observé en construction picturale. Emily Carr construit la forêt et le rivage de la côte Ouest comme des organismes en mouvement. Les courbes montantes, les masses sombres et la lumière créent une sensation de croissance continue. Les arbres ne jouent pas le rôle d’un simple cadre naturel. Troncs, branches et feuillages forment une trame qui mesure l’espace et rend sensible la poussée du vivant. Datée vers 1932, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à modernité de la côte ouest et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#32
Le Ravin II
« Le Ravin II » montre comment David Milne fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. David Milne réduit souvent la scène à quelques lignes nerveuses, des réserves et des accords de couleur espacés. Cette économie transforme une maison, une vallée ou une fleur en équilibre pictural autonome. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1920, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à modernité canadienne et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#33
Panorama de La Cloche
Dans « Panorama de La Cloche », Franklin Carmichael privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. Franklin Carmichael recherche une clarté de structure où les troncs, les collines et les reflets s’emboîtent avec précision. La couleur lumineuse ne décrit pas seulement la saison : elle règle toute l’architecture de l’image. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1939, cette peinture est réalisée à huile sur contreplaqué. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#34
Baie Go-Home
La force de « Baie Go-Home » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. A.Y. Jackson parcourt le pays et transforme ses routes, villages, neiges et reliefs en compositions souples. Les diagonales et les courbes conduisent le regard sans figer l’espace en simple panorama. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1920, cette peinture est réalisée à huile sur panneau de bois. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#35
Pic Cathedral et lac O’Hara
Sous son apparente simplicité, « Pic Cathedral et lac O’Hara » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. J.E.H. MacDonald organise le paysage par masses colorées, lignes ascendantes et contrastes de lumière. Sa peinture relie l’observation d’un lieu précis à une volonté décorative qui agrandit la sensation de territoire. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1927, cette peinture est réalisée à huile sur carton. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#36
Terre brûlée
Avec « Terre brûlée », Tom Thomson transforme un lieu observé en construction picturale. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1915, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#37
Aurore boréale
« Aurore boréale » montre comment Tom Thomson fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. La gamme froide et les intervalles lumineux font du climat un sujet à part entière. La neige ou la glace ne recouvre pas la composition : elle en révèle les lignes de force. Datée 1917, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#38
Anse de la côte Ouest
Dans « Anse de la côte Ouest », F.H. Varley privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. F.H. Varley traite le paysage comme un état sensible. Les couleurs modulées et les contours souples font passer l’image de la description géographique à une atmosphère intérieure. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée vers 1933, cette peinture est réalisée à huile sur contreplaqué. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#39
Terre sombre, lac Supérieur
La force de « Terre sombre, lac Supérieur » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. A.J. Casson simplifie villages, collines et lacs en grandes formes ordonnées. Cette géométrie calme prolonge l’héritage du Groupe des Sept tout en affirmant une sensibilité plus silencieuse. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée vers 1928, cette peinture est réalisée à huile sur carton. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#40
Forêt
Sous son apparente simplicité, « Forêt » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. Emily Carr construit la forêt et le rivage de la côte Ouest comme des organismes en mouvement. Les courbes montantes, les masses sombres et la lumière créent une sensation de croissance continue. Les arbres ne jouent pas le rôle d’un simple cadre naturel. Troncs, branches et feuillages forment une trame qui mesure l’espace et rend sensible la poussée du vivant. Datée entre 1932 et 1933, cette peinture est réalisée à huile sur papier. Elle appartient à modernité de la côte ouest et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#41
Beauté hivernale
Avec « Beauté hivernale », Frank Johnston transforme un lieu observé en construction picturale. Frank Johnston intensifie la lumière et les contrastes du Nord. Ses accords colorés donnent aux eaux, aux terres noyées et aux forêts une netteté presque théâtrale. La gamme froide et les intervalles lumineux font du climat un sujet à part entière. La neige ou la glace ne recouvre pas la composition : elle en révèle les lignes de force. Datée vers 1935, cette peinture est réalisée à huile sur panneau. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#42
Église bleue
« Église bleue » montre comment David Milne fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. David Milne réduit souvent la scène à quelques lignes nerveuses, des réserves et des accords de couleur espacés. Cette économie transforme une maison, une vallée ou une fleur en équilibre pictural autonome. L’architecture et le chemin introduisent une présence humaine sans interrompre le rythme du territoire. Les volumes bâtis deviennent des repères de couleur et d’échelle. Datée vers 1920, cette peinture est réalisée à huile sur toile adhered to panneau dur. Elle appartient à modernité canadienne et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#43
Jeune arbre rouge
Dans « Jeune arbre rouge », Arthur Lismer privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. Arthur Lismer privilégie les rivages robustes, les forêts denses et les mouvements de terrain. Sa touche énergique donne au paysage canadien une matérialité vive, faite d’accidents, de reprises et de tensions. Les arbres ne jouent pas le rôle d’un simple cadre naturel. Troncs, branches et feuillages forment une trame qui mesure l’espace et rend sensible la poussée du vivant. Datée 1929, cette peinture est réalisée à huile sur panneau de bois. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#44
Jeune fille en rouge
La force de « Jeune fille en rouge » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. F.H. Varley traite le paysage comme un état sensible. Les couleurs modulées et les contours souples font passer l’image de la description géographique à une atmosphère intérieure. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée entre 1920 et 1921, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#45
Norval
Sous son apparente simplicité, « Norval » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. A.J. Casson simplifie villages, collines et lacs en grandes formes ordonnées. Cette géométrie calme prolonge l’héritage du Groupe des Sept tout en affirmant une sensibilité plus silencieuse. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée vers 1929, cette peinture est réalisée à huile sur carton. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#46
Aurore, baie Georgienne, Pointe-au-Baril
Avec « Aurore, baie Georgienne, Pointe-au-Baril », J.E.H. MacDonald transforme un lieu observé en construction picturale. J.E.H. MacDonald organise le paysage par masses colorées, lignes ascendantes et contrastes de lumière. Sa peinture relie l’observation d’un lieu précis à une volonté décorative qui agrandit la sensation de territoire. La gamme froide et les intervalles lumineux font du climat un sujet à part entière. La neige ou la glace ne recouvre pas la composition : elle en révèle les lignes de force. Datée 1931, cette peinture est réalisée à huile sur carton. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#47
Eaux blanches
« Eaux blanches » montre comment Franklin Carmichael fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. Franklin Carmichael recherche une clarté de structure où les troncs, les collines et les reflets s’emboîtent avec précision. La couleur lumineuse ne décrit pas seulement la saison : elle règle toute l’architecture de l’image. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1943, cette peinture est réalisée à tempera sur panneau. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#48
Débâcle
Dans « Débâcle », Tom Thomson privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1915, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#49
Dégel : bancs de neige
La force de « Dégel : bancs de neige » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. La gamme froide et les intervalles lumineux font du climat un sujet à part entière. La neige ou la glace ne recouvre pas la composition : elle en révèle les lignes de force. Datée 1916, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#50
Étang aux orignaux
Sous son apparente simplicité, « Étang aux orignaux » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. Frank Johnston intensifie la lumière et les contrastes du Nord. Ses accords colorés donnent aux eaux, aux terres noyées et aux forêts une netteté presque théâtrale. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1918, cette peinture est réalisée à huile sur carton. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →Portraits, côtes, villages, montagnes et forêts montrent que la modernité canadienne ne se résume pas à un seul paysage.
#51
Tempête, baie Georgienne
Avec « Tempête, baie Georgienne », A.Y. Jackson transforme un lieu observé en construction picturale. A.Y. Jackson parcourt le pays et transforme ses routes, villages, neiges et reliefs en compositions souples. Les diagonales et les courbes conduisent le regard sans figer l’espace en simple panorama. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée vers 1920, cette peinture est réalisée à huile sur panneau de bois. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#52
Mont Cathedral
« Mont Cathedral » montre comment J.E.H. MacDonald fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. J.E.H. MacDonald organise le paysage par masses colorées, lignes ascendantes et contrastes de lumière. Sa peinture relie l’observation d’un lieu précis à une volonté décorative qui agrandit la sensation de territoire. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1927, cette peinture est réalisée à huile sur carton. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#53
Rivage
Dans « Rivage », Emily Carr privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. Emily Carr construit la forêt et le rivage de la côte Ouest comme des organismes en mouvement. Les courbes montantes, les masses sombres et la lumière créent une sensation de croissance continue. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1936, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à modernité de la côte ouest et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#54
Rivière lumineuse
La force de « Rivière lumineuse » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. David Milne réduit souvent la scène à quelques lignes nerveuses, des réserves et des accords de couleur espacés. Cette économie transforme une maison, une vallée ou une fleur en équilibre pictural autonome. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1933, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à modernité canadienne et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#55
Lac Supérieur
Sous son apparente simplicité, « Lac Supérieur » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. Arthur Lismer privilégie les rivages robustes, les forêts denses et les mouvements de terrain. Sa touche énergique donne au paysage canadien une matérialité vive, faite d’accidents, de reprises et de tensions. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1927, cette peinture est réalisée à huile sur panneau de bois. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#56
Gravité
Avec « Gravité », Jean Paul Riopelle transforme un lieu observé en construction picturale. Jean Paul Riopelle pousse la peinture canadienne vers une abstraction dense et mobile. La couleur appliquée au couteau ou par larges gestes devient une matière vivante où le paysage demeure présent sans être littéralement décrit. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1956, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à abstraction lyrique et automatisme et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Musée des beaux-arts de Montréal · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#57
Ruisseau en sous-bois, Algoma
« Ruisseau en sous-bois, Algoma » montre comment J.E.H. MacDonald fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. J.E.H. MacDonald organise le paysage par masses colorées, lignes ascendantes et contrastes de lumière. Sa peinture relie l’observation d’un lieu précis à une volonté décorative qui agrandit la sensation de territoire. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1918, cette peinture est réalisée à huile sur carton. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#58
Automne, Orillia
Dans « Automne, Orillia », Franklin Carmichael privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. Franklin Carmichael recherche une clarté de structure où les troncs, les collines et les reflets s’emboîtent avec précision. La couleur lumineuse ne décrit pas seulement la saison : elle règle toute l’architecture de l’image. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1926, cette peinture est réalisée à huile sur carton. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#59
Arbre mort, parc Garibaldi
La force de « Arbre mort, parc Garibaldi » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. F.H. Varley traite le paysage comme un état sensible. Les couleurs modulées et les contours souples font passer l’image de la description géographique à une atmosphère intérieure. Les arbres ne jouent pas le rôle d’un simple cadre naturel. Troncs, branches et feuillages forment une trame qui mesure l’espace et rend sensible la poussée du vivant. Datée 1927, cette peinture est réalisée à huile sur panneau de bois marouflé sur contreplaqué. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#60
Kleinburg
Sous son apparente simplicité, « Kleinburg » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. A.J. Casson simplifie villages, collines et lacs en grandes formes ordonnées. Cette géométrie calme prolonge l’héritage du Groupe des Sept tout en affirmant une sensibilité plus silencieuse. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée vers 1929, cette peinture est réalisée à huile sur carton. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#61
Le barrage du lac Tea
Avec « Le barrage du lac Tea », Tom Thomson transforme un lieu observé en construction picturale. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1914, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#62
Vieux barrage de bois, parc Algonquin
« Vieux barrage de bois, parc Algonquin » montre comment Tom Thomson fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. Les arbres ne jouent pas le rôle d’un simple cadre naturel. Troncs, branches et feuillages forment une trame qui mesure l’espace et rend sensible la poussée du vivant. Datée 1912, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#63
Kispiox
Dans « Kispiox », Emily Carr privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. Emily Carr construit la forêt et le rivage de la côte Ouest comme des organismes en mouvement. Les courbes montantes, les masses sombres et la lumière créent une sensation de croissance continue. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1912, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à modernité de la côte ouest et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#64
Gare, silo et nuage
La force de « Gare, silo et nuage » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. David Milne réduit souvent la scène à quelques lignes nerveuses, des réserves et des accords de couleur espacés. Cette économie transforme une maison, une vallée ou une fleur en équilibre pictural autonome. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1932, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à modernité canadienne et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#65
Buisson d’Algoma, septembre
Sous son apparente simplicité, « Buisson d’Algoma, septembre » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. J.E.H. MacDonald organise le paysage par masses colorées, lignes ascendantes et contrastes de lumière. Sa peinture relie l’observation d’un lieu précis à une volonté décorative qui agrandit la sensation de territoire. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1920, cette peinture est réalisée à huile sur carton. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#66
La Cloche, silhouette
Avec « La Cloche, silhouette », Franklin Carmichael transforme un lieu observé en construction picturale. Franklin Carmichael recherche une clarté de structure où les troncs, les collines et les reflets s’emboîtent avec précision. La couleur lumineuse ne décrit pas seulement la saison : elle règle toute l’architecture de l’image. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1939, cette peinture est réalisée à huile sur contreplaqué. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#67
Les Lions
« Les Lions » montre comment F.H. Varley fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. F.H. Varley traite le paysage comme un état sensible. Les couleurs modulées et les contours souples font passer l’image de la description géographique à une atmosphère intérieure. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée vers 1931, cette peinture est réalisée à huile sur panneau de bois. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#68
Vieille maison, Parry Sound
Dans « Vieille maison, Parry Sound », A.J. Casson privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. A.J. Casson simplifie villages, collines et lacs en grandes formes ordonnées. Cette géométrie calme prolonge l’héritage du Groupe des Sept tout en affirmant une sensibilité plus silencieuse. L’architecture et le chemin introduisent une présence humaine sans interrompre le rythme du territoire. Les volumes bâtis deviennent des repères de couleur et d’échelle. Datée vers 1932, cette peinture est réalisée à huile sur toile marouflée sur carton. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#69
Printemps à la rivière des Français
La force de « Printemps à la rivière des Français » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1915, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#70
Eaux sombres
Sous son apparente simplicité, « Eaux sombres » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1916, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#71
Neige fondante
Avec « Neige fondante », Edwin Holgate transforme un lieu observé en construction picturale. Edwin Holgate associe observation rigoureuse et construction solide. Le relief, les arbres et la neige s’ordonnent en plans francs qui donnent au paysage sa stabilité et sa profondeur. La gamme froide et les intervalles lumineux font du climat un sujet à part entière. La neige ou la glace ne recouvre pas la composition : elle en révèle les lignes de force. Datée 1948, cette peinture est réalisée à huile sur panneau de bois. Elle appartient à modernité canadienne et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#72
Nouvelle croissance
« Nouvelle croissance » montre comment Emily Carr fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. Emily Carr construit la forêt et le rivage de la côte Ouest comme des organismes en mouvement. Les courbes montantes, les masses sombres et la lumière créent une sensation de croissance continue. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée vers 1936, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à modernité de la côte ouest et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#73
Hangars à bateaux, hôtel Glenmore
Dans « Hangars à bateaux, hôtel Glenmore », David Milne privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. David Milne réduit souvent la scène à quelques lignes nerveuses, des réserves et des accords de couleur espacés. Cette économie transforme une maison, une vallée ou une fleur en équilibre pictural autonome. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1926, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à modernité canadienne et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#74
Rivière Agawa, Algoma
La force de « Rivière Agawa, Algoma » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. J.E.H. MacDonald organise le paysage par masses colorées, lignes ascendantes et contrastes de lumière. Sa peinture relie l’observation d’un lieu précis à une volonté décorative qui agrandit la sensation de territoire. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1919, cette peinture est réalisée à huile sur carton. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#75
Pin tordu
Sous son apparente simplicité, « Pin tordu » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. Franklin Carmichael recherche une clarté de structure où les troncs, les collines et les reflets s’emboîtent avec précision. La couleur lumineuse ne décrit pas seulement la saison : elle règle toute l’architecture de l’image. Les arbres ne jouent pas le rôle d’un simple cadre naturel. Troncs, branches et feuillages forment une trame qui mesure l’espace et rend sensible la poussée du vivant. Datée 1939, cette peinture est réalisée à huile sur contreplaqué. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →Les études tardives, les expériences de la côte Ouest et l’abstraction de Riopelle complètent l’histoire jusqu’aux Icebergs.
#76
Nus dans les Laurentides
Avec « Nus dans les Laurentides », Edwin Holgate transforme un lieu observé en construction picturale. Edwin Holgate associe observation rigoureuse et construction solide. Le relief, les arbres et la neige s’ordonnent en plans francs qui donnent au paysage sa stabilité et sa profondeur. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1930s, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à modernité canadienne et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#77
Lac Canoë
« Lac Canoë » montre comment Tom Thomson fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1914, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#78
Split Rock, baie Georgienne
Dans « Split Rock, baie Georgienne », Tom Thomson privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1914, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#79
Balancement
La force de « Balancement » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. Emily Carr construit la forêt et le rivage de la côte Ouest comme des organismes en mouvement. Les courbes montantes, les masses sombres et la lumière créent une sensation de croissance continue. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée vers 1936, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à modernité de la côte ouest et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#80
Paysage d’Algoma
Sous son apparente simplicité, « Paysage d’Algoma » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. Frank Johnston intensifie la lumière et les contrastes du Nord. Ses accords colorés donnent aux eaux, aux terres noyées et aux forêts une netteté presque théâtrale. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1918, cette peinture est réalisée à gouache sur carton marouflé sur toile. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#81
Baie McGregor
Avec « Baie McGregor », Franklin Carmichael transforme un lieu observé en construction picturale. Franklin Carmichael recherche une clarté de structure où les troncs, les collines et les reflets s’emboîtent avec précision. La couleur lumineuse ne décrit pas seulement la saison : elle règle toute l’architecture de l’image. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1931, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#82
Nu
« Nu » montre comment Edwin Holgate fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. Edwin Holgate associe observation rigoureuse et construction solide. Le relief, les arbres et la neige s’ordonnent en plans francs qui donnent au paysage sa stabilité et sa profondeur. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée vers 1922, cette peinture est réalisée à huile sur panneau de bois. Elle appartient à modernité canadienne et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#83
Novembre en Algoma
Dans « Novembre en Algoma », A.Y. Jackson privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. A.Y. Jackson parcourt le pays et transforme ses routes, villages, neiges et reliefs en compositions souples. Les diagonales et les courbes conduisent le regard sans figer l’espace en simple panorama. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1934, cette peinture est réalisée à huile sur panneau de bois. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#84
Tombeau du Géant, baie Georgienne
La force de « Tombeau du Géant, baie Georgienne » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1914–1915, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#85
Jour gris, Tombeau du géant
Sous son apparente simplicité, « Jour gris, Tombeau du géant » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1914–1915, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#86
Pluie dans le Nord
Avec « Pluie dans le Nord », Arthur Lismer transforme un lieu observé en construction picturale. Arthur Lismer privilégie les rivages robustes, les forêts denses et les mouvements de terrain. Sa touche énergique donne au paysage canadien une matérialité vive, faite d’accidents, de reprises et de tensions. La gamme froide et les intervalles lumineux font du climat un sujet à part entière. La neige ou la glace ne recouvre pas la composition : elle en révèle les lignes de force. Datée vers 1920, cette peinture est réalisée à huile sur panneau de bois. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#87
Terre noyée, Algoma
« Terre noyée, Algoma » montre comment Frank Johnston fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. Frank Johnston intensifie la lumière et les contrastes du Nord. Ses accords colorés donnent aux eaux, aux terres noyées et aux forêts une netteté presque théâtrale. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1918, cette peinture est réalisée à gouache avec sous-couche à l’aquarelle sur papier. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#88
Petit lac Cauchon
Dans « Petit lac Cauchon », Tom Thomson privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1916, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#89
Coteau, lac Smoke
La force de « Coteau, lac Smoke » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1914, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#90
La Glacière
Sous son apparente simplicité, « La Glacière » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. Lawren S. Harris simplifie les formes jusqu’à donner au lac, au rocher et au ciel une présence presque spirituelle. Les volumes clairs et les silences entre les plans rendent le paysage monumental. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1925, cette peinture est réalisée à huile sur carton. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#91
Bourrasques de neige, île Pic
Avec « Bourrasques de neige, île Pic », Lawren S. Harris transforme un lieu observé en construction picturale. Lawren S. Harris simplifie les formes jusqu’à donner au lac, au rocher et au ciel une présence presque spirituelle. Les volumes clairs et les silences entre les plans rendent le paysage monumental. La gamme froide et les intervalles lumineux font du climat un sujet à part entière. La neige ou la glace ne recouvre pas la composition : elle en révèle les lignes de force. Datée vers 1924, cette peinture est réalisée à huile sur carton. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#92
Granges, La Malbaie, Québec
« Granges, La Malbaie, Québec » montre comment A.Y. Jackson fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. A.Y. Jackson parcourt le pays et transforme ses routes, villages, neiges et reliefs en compositions souples. Les diagonales et les courbes conduisent le regard sans figer l’espace en simple panorama. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1926, cette peinture est réalisée à huile sur panneau de bois. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#93
Forêt, Algoma
Dans « Forêt, Algoma », Arthur Lismer privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. Arthur Lismer privilégie les rivages robustes, les forêts denses et les mouvements de terrain. Sa touche énergique donne au paysage canadien une matérialité vive, faite d’accidents, de reprises et de tensions. Les arbres ne jouent pas le rôle d’un simple cadre naturel. Troncs, branches et feuillages forment une trame qui mesure l’espace et rend sensible la poussée du vivant. Datée 1922, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à groupe des sept et entourage et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Collection McMichael d’art canadien · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →
#94
Gorges de Petawawa (début de printemps)
La force de « Gorges de Petawawa (début de printemps) » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1917, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#95
Coucher du soleil
Sous son apparente simplicité, « Coucher du soleil » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1915, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#96
Clair de lune, début de soirée
Avec « Clair de lune, début de soirée », Tom Thomson transforme un lieu observé en construction picturale. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1916, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#97
Barrage de bois
« Barrage de bois » montre comment Tom Thomson fait circuler le regard entre matière, lumière et territoire. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. Les arbres ne jouent pas le rôle d’un simple cadre naturel. Troncs, branches et feuillages forment une trame qui mesure l’espace et rend sensible la poussée du vivant. Datée 1916, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Sa place dans ce parcours tient à cette capacité de rendre un territoire reconnaissable tout en affirmant l’autonomie de la peinture.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#98
Feuillage d'automne
Dans « Feuillage d'automne », Tom Thomson privilégie le rythme des formes avant le détail descriptif. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. Le motif est volontairement condensé afin que la couleur, la touche et la circulation des formes portent autant de sens que le lieu représenté. Datée 1916, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Comparée aux autres œuvres du classement, elle éclaire le passage d’un paysage observé à un langage moderne de la couleur.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#99
Paysage décoratif : bouleaux
La force de « Paysage décoratif : bouleaux » tient à l’équilibre entre sensation immédiate et organisation de la surface. Tom Thomson fait du paysage une expérience directe de la couleur et du climat. Ses petits panneaux peints sur le motif condensent l’eau, les arbres, le vent et les changements de saison en rythmes immédiatement lisibles. L’eau organise ici la profondeur, les reflets et le passage d’un plan à l’autre. Elle met en relation la solidité des rives avec la mobilité du ciel et de la lumière. Datée 1915, cette peinture est réalisée à huile sur panneau ou toile. Elle appartient à précurseur du groupe des sept et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. L’image et le bouton proviennent de la fiche correspondante dans la boutique Alpha Reproduction, où cette peinture est proposée en reproduction. Le tableau demeure ainsi un repère utile pour suivre la continuité entre l’expérience du Nord, le Groupe des Sept et les abstractions d’après-guerre.
Image : Alpha Reproduction · Reproduction disponible.
Voir cette reproduction →
#100
Soleil de minuit (Quatuor en blanc)
Sous son apparente simplicité, « Soleil de minuit (Quatuor en blanc) » concentre une réflexion sur la manière de peindre le Canada. Jean Paul Riopelle pousse la peinture canadienne vers une abstraction dense et mobile. La couleur appliquée au couteau ou par larges gestes devient une matière vivante où le paysage demeure présent sans être littéralement décrit. La gamme froide et les intervalles lumineux font du climat un sujet à part entière. La neige ou la glace ne recouvre pas la composition : elle en révèle les lignes de force. Datée 1977, cette peinture est réalisée à huile sur toile. Elle appartient à série des icebergs et dialogue avec les transformations de l’art canadien au XXe siècle. Cette tension entre lieu réel et ordre pictural explique pourquoi l’œuvre conserve aujourd’hui une présence aussi nette.
Image : Musée des beaux-arts de Montréal · Usage documentaire ; droits auprès du musée.
Voir la notice du musée →Ce que révèle le parcours
Trois forces de la peinture canadienne
Le motif, le climat et la matière relient les générations sans effacer leurs différences.
Parcourir
Les artistes travaillent sur les routes, les lacs et les rivages pour construire une géographie vécue.
Simplifier
Les formes deviennent plus nettes afin que la couleur et le rythme portent l’expérience du lieu.
Transformer
Avec Carr, Milne puis Riopelle, le paysage glisse vers l’autonomie de la surface peinte.
Une modernité plurielle
Du parc Algonquin aux Icebergs
Avant la fondation officielle du Groupe des Sept en 1920, Tom Thomson et plusieurs futurs membres expérimentent déjà une peinture directe, mobile et colorée. Le petit format permet de saisir rapidement un changement de lumière ou de saison.
Algoma, le lac Supérieur, la baie Georgienne et les Rocheuses deviennent ensuite des terrains d’invention. Le territoire n’est pas seulement documenté : il est condensé en lignes, masses, rythmes et accords chromatiques.
Emily Carr donne à la côte Ouest une dynamique organique, David Milne radicalise l’économie des moyens et Riopelle transforme la mémoire du Nord en matière abstraite. Le paysage survit alors jusque dans le geste.
Quatre clés de lecture
Comment regarder ces peintures
Observer le format, la touche, les réserves et les changements d’échelle aide à comprendre chaque tableau.
Voir l’étude
De nombreux petits panneaux conservent la rapidité d’une séance en plein air.
Lire le climat
Les accords chromatiques rendent la saison aussi présente que le motif.
Suivre les masses
Rives, troncs et reliefs ordonnent la circulation du regard.
Aller vers l’abstraction
Chez Riopelle, l’épaisseur de la peinture devient elle-même territoire.
Boutique et musées
Continuer après le centième tableau
Les fiches Alpha ouvrent les reproductions disponibles ; les autres liens conduisent aux institutions responsables.
Questions fréquentes
Groupe des Sept, paysage et Riopelle
Les repères essentiels pour comprendre les peintures et leurs sources.
Qui sont les peintres du Groupe des Sept ?
Le groupe réunit Lawren Harris, A.Y. Jackson, J.E.H. MacDonald, Arthur Lismer, Franklin Carmichael, F.H. Varley et Frank Johnston, puis A.J. Casson. Tom Thomson, mort avant sa création officielle, en est le grand précurseur.
Pourquoi Tom Thomson est-il si important ?
Ses études du parc Algonquin ont montré comment une touche rapide et une couleur intense pouvaient traduire l’expérience directe du paysage canadien. Son travail prépare plusieurs principes du Groupe des Sept.
Emily Carr faisait-elle partie du Groupe des Sept ?
Non. Elle a toutefois entretenu des liens importants avec Lawren Harris et partage avec le groupe une recherche sur le paysage, tout en développant un langage propre à la côte Ouest.
Comment Riopelle prolonge-t-il cette histoire ?
Riopelle abandonne la représentation descriptive mais conserve un rapport profond au territoire, aux saisons et au Nord. La matière colorée devient chez lui un paysage autonome.
Les titres sont-ils présentés en français ?
Oui. Les titres anglais ont été traduits pour le parcours francophone ; chaque bouton ouvre la notice originale du musée, où figurent le titre de collection et les données complètes.
Toutes les entrées sont-elles des peintures ?
Oui. Le classement a été vérifié par médium et ne retient que des œuvres peintes à l’huile, à la gouache ou à l’aquarelle. Les études au graphite et les œuvres à l’encre seule ont été écartées.
Peut-on commander certains tableaux en reproduction ?
Oui. Vingt-cinq tableaux utilisent les images et liens actifs de la boutique Alpha Reproduction. Les soixante-quinze autres sont documentaires et ouvrent les pages des musées correspondants.
D’où viennent les images ?
Le classement combine vingt-cinq fiches Alpha Reproduction, dix pages du Musée des beaux-arts du Canada, soixante et une notices McMichael et quatre tableaux de Riopelle au Musée des beaux-arts de Montréal.
0 commentaire