Top 100 - Impressionnisme
Impressionnisme : 100 tableaux célèbres qui capturent la lumière
Découvrez 100 œuvres de Monet, Renoir, Degas, Morisot, Pissarro et d’autres acteurs de la peinture moderne, avec leurs dates, collections et sources.
L’impressionnisme associe l’étude de la lumière à de nouveaux sujets : gares, jardins, cafés, répétitions et promenades. Cette sélection explique ce que montre chaque œuvre et distingue les versions portant un même titre.
La peinture prend l'air
Cent tableaux, le monde en plein air
Entre les années 1860 et le début du XXe siècle, ces peintres déplacent l'histoire de l'art vers les gares, les cafés, les jardins, les théâtres et les bords de Seine. Le plein air et la touche visible ne racontent pourtant qu'une partie de l'aventure : Manet affronte le Salon, Degas reconstruit ses scènes en atelier, Cassatt et Morisot renouvellent l'intimité, tandis que Monet et Pissarro transforment la série en expérience du temps. Chaque tableau conserve ici son lieu, ses modèles et son moment d'apparition.
Cette sélection est un parcours éditorial, sans classement officiel de popularité. Elle inclut des œuvres liées aux débuts du mouvement et des recherches ultérieures de ses artistes. Les dates, techniques, dimensions et collections se rapportent à la version illustrée ; chaque notice renvoie à ses sources.
Passer aux imagesLes œuvres de la sélection
Les œuvres en images
Monet, Renoir, Degas, Manet, Morisot et Caillebotte installent les images devenues inséparables de l'impressionnisme.
#1
Claude Monet1. Impression, Soleil levant
Le soleil orange et son reflet attirent le regard dans un port presque entièrement bleu-gris. Les barques sombres du premier plan conduisent vers les grues, les mâts et les cheminées qui se dissolvent dans la brume. Monet peint cette vue de l’avant-port du Havre depuis l’hôtel de l’Amirauté, lors d’un séjour situé vers novembre 1872 par le musée Marmottan Monet. Les touches rapides suggèrent une atmosphère plutôt qu’un relevé détaillé. Présentée à la première exposition du groupe en 1874, l’œuvre inspire le titre satirique de Louis Leroy, « L’exposition des impressionnistes ». Le musée confirme un format de 50 × 65 cm et le don Donop de Monchy de 1940.
Source : Musée Marmottan Monet, Impression, soleil levant.
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#2
Pierre-Auguste Renoir2. Bal du moulin de la Galette
Dans Bal du moulin de la Galette, Renoir peint les loisirs de Montmartre en 1876. À gauche, les couples dansent ; au premier plan, des femmes assises et des hommes attablés rapprochent le spectateur de la fête. Des touches claires traversent les vêtements et les visages, tandis que les bleus relient les ombres de la foule. La lumière et les silhouettes partiellement masquées donnent au regard plusieurs chemins dans cette composition dense. Présentée à la troisième exposition impressionniste en 1877, cette grande toile associe des amis du peintre à une scène de vie parisienne. Elle appartient aujourd’hui au musée d’Orsay.
Source : Musée d’Orsay, notice RF 2739.
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#3
Edgar Degas3. La Classe de danse — version du Metropolitan Museum
Cette petite peinture montre une ballerine au milieu d’un large espace libre, un violoniste assis à gauche et un miroir qui multiplie les figures. L’arrosoir, le chapeau et l’étui de violon posés au sol ramènent la danse à son quotidien matériel. Le Metropolitan Museum présente cette œuvre comme la première classe de danse peinte par Degas : sans accès aux coulisses à cette époque, il faisait poser ses modèles dans son atelier. L’impression de scène observée résulte donc d’une composition préparée. Cette version new-yorkaise, peinte vers 1870 sur bois, se distingue de la grande toile d’Orsay réalisée entre 1873 et 1876.
Sources : Metropolitan Museum, notice 29.100.184 ; version distincte du musée d’Orsay.
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#4
Édouard Manet4. Olympia
Peinte en 1863 et présentée au Salon de 1865, Olympia confronte le public au regard direct d’une femme allongée sur un lit. Le ruban noir au cou, les mules et le bouquet apporté par une domestique situent la scène dans un univers contemporain. À droite, un chat noir contraste avec les draps et le corps éclairés. Manet reprend la pose de la Vénus d’Urbin de Titien, mais transforme le nu idéalisé en représentation d’une prostituée, selon l’analyse du musée d’Orsay. Le scandale tient aussi au traitement pictural peu adouci. Cette œuvre majeure précède la première exposition impressionniste de 1874.
Source : Musée d’Orsay, notice RF 644.
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#5
Gustave Caillebotte5. Rue de Paris, temps de pluie
Un couple sous un parapluie occupe le premier plan de Rue de Paris, temps de pluie, tandis qu’un passant coupé par le bord droit semble entrer dans son chemin. Le réverbère sépare cette rencontre rapprochée du vaste carrefour, où les silhouettes diminuent entre les façades et les pavés humides. Les gris bleutés et les reflets unifient la scène sans effacer la netteté des vêtements et de l’architecture. Exposée avec les impressionnistes en avril 1877, cette toile monumentale montre les nouveaux boulevards parisiens avec une composition soigneusement organisée. L’Art Institute de Chicago souligne l’anonymat des figures, qui partagent l’espace urbain sans former une communauté.
Source : Art Institute of Chicago, notice 1964.336.
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#6
Berthe Morisot6. Le Berceau
Dans Le Berceau, Berthe Morisot peint sa sœur Edma auprès de Blanche, sa fille endormie. Le bras replié de la mère trouve un écho dans celui du bébé ; son regard et le voilage dessinent une diagonale qui relie les deux figures. La robe sombre se détache des blancs du rideau et du berceau, animés de touches souples. Le voile laisse voir l’enfant tout en préservant son espace : l’intimité repose sur ce geste protecteur plutôt que sur un échange de regards, puisque Blanche dort. Exposée avec les impressionnistes en 1874, cette toile de 1872 est aujourd’hui conservée au musée d’Orsay.
Source : Musée d’Orsay, notice RF 2849.
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#7
Camille Pissarro7. Le Boulevard Montmartre, effet de nuit
Depuis le Grand Hôtel de Russie, Pissarro observe le boulevard Montmartre en 1897 et en peint quatorze vues sous différentes lumières. Ici, les façades et les trottoirs convergent vers le lointain, sous un ciel bleu sombre. Les lampes électriques diffusent un blanc froid, tandis que les vitrines éclairées au gaz et les lanternes des fiacres apportent des jaunes et des orangés. Leurs reflets sur le sol humide prolongent les points lumineux. Les passants et les véhicules restent suggérés par de petites touches : la circulation se lit comme un mouvement collectif. Selon la National Gallery, cette toile est l’unique peinture nocturne de Pissarro.
Source : National Gallery, notice NG4119.
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#8
Alfred Sisley8. L'inondation à Port-Marly
Dans cette version de L’Inondation à Port-Marly, la maison occupe le bord gauche, face à une rangée d’arbres dont les troncs plongent dans l’eau. Les barques près du bâtiment signalent que la crue a transformé les déplacements ordinaires. Le ciel nuageux prend une large place ; ses gris, ses blancs et ses trouées bleues se prolongent dans la surface inondée. Les touches horizontales des reflets contrastent avec les verticales de la façade et des arbres. Peinte en 1876 et présentée à la deuxième exposition impressionniste, cette toile appartient au musée d’Orsay. Elle se distingue d’autres vues de la même inondation réalisées par Sisley.
Source : Musée d’Orsay, notice RF 2020.
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#9
Mary Cassatt9. Le Bain de l’enfant
Dans Le Bain de l’enfant, Mary Cassatt rapproche les visages d’une femme et d’un enfant, tous deux concentrés sur le lavage des pieds. Une main soutient le petit corps tandis que l’autre le lave dans une cuvette. Le point de vue plongeant révèle le bassin, le tapis et la cruche, dont les motifs dialoguent avec les rayures de la robe. Ces surfaces décoratives et l’espace aplati témoignent de l’influence des estampes japonaises, soulignée par l’Art Institute de Chicago. La proximité des figures exprime le soin par des gestes concrets. Peinte en 1893, cette toile associe une scène domestique à une composition très construite.
Source : Art Institute of Chicago, notice 1910.2 sur Google Arts & Culture.
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#10
Claude Monet10. Nymphéas — musée Ohara
Ces Nymphéas sont conservés au musée Ohara de Kurashiki, au Japon, et datés vers 1906. Des groupes de feuilles vertes et de petites fleurs interrompent une surface bleue traversée de reflets. L’absence de rive et d’horizon concentre le regard sur l’eau : les touches verticales suggèrent ce qui s’y reflète, tandis que les feuilles flottantes en indiquent la surface. Le centre relativement dégagé laisse circuler le regard entre les groupes de nénuphars. Cette toile de 73 × 92,5 cm appartient aux nombreuses variations du motif chez Monet ; elle ne doit pas être confondue avec les grands panneaux tardifs de l’Orangerie.
Source : Art Platform Japan, données du catalogue du musée Ohara.
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#11
Pierre-Auguste Renoir11. Le Déjeuner des canotiers
Dans Le Déjeuner des canotiers, Renoir réunit ses amis autour d’une table sous un store rayé. À gauche, Aline Charigot, sa future épouse, joue avec un chien ; à droite, Gustave Caillebotte est assis à l’envers sur sa chaise. Les regards et les conversations forment plusieurs petits groupes, reliés par la diagonale de la balustrade. Au premier plan, bouteilles, verres et fruits composent une nature morte lumineuse, tandis que le paysage apparaît derrière les figures. La scène associe ainsi portraits, nature morte et paysage dans une même composition. Datée de 1880–1881, la toile appartient à la Phillips Collection, qui l’a acquise en 1923.
Source : Phillips Collection, notice 1637.
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#12
Edgar Degas12. L’Absinthe, ou Dans un café
Les tables vides du premier plan conduisent le regard vers une femme et un homme assis côte à côte, sans échange apparent. Un verre d’absinthe se tient devant la femme ; derrière eux, le miroir reprend leurs silhouettes. Le cadrage décentré, qui coupe une partie de l’homme, renforce l’impression d’une scène surprise depuis une table voisine. Pourtant, Degas a composé la peinture en atelier avec deux connaissances : l’actrice Ellen Andrée et l’artiste Marcellin Desboutin. Le musée d’Orsay rappelle qu’il a dû préciser publiquement qu’ils n’étaient pas alcooliques. Datée de 1875–1876, cette œuvre met en scène l’isolement sans constituer un témoignage sur ses modèles.
Source : Musée d’Orsay, notice RF 1984.
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#13
Édouard Manet13. Le Déjeuner sur l'herbe
Une femme nue regarde le spectateur, assise près de deux hommes vêtus dans un sous-bois ; derrière eux, une baigneuse semble disproportionnée par rapport au groupe. Les vêtements et le panier renversé du premier plan renforcent le caractère quotidien de la scène. Refusée au Salon de 1863, la toile est présentée au Salon des Refusés sous le titre Le Bain. Manet s’inspire du Concert champêtre de Titien et d’une gravure d’après Raphaël, mais retire au nu son alibi mythologique. Le musée d’Orsay souligne aussi les contrastes abrupts et la profondeur peu convaincante : le scandale touche autant la manière de peindre que le sujet.
Source : Musée d’Orsay, notice RF 1668.
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#14
Gustave Caillebotte14. Les Raboteurs de parquet
Trois ouvriers agenouillés raclent un parquet, entourés de copeaux et d’outils. Le point de vue plongeant donne une grande place au sol : les lames convergent vers la fenêtre, tandis que la lumière souligne les dos, les bras et les surfaces déjà travaillées. Caillebotte associe l’observation des gestes à une perspective rigoureuse issue de sa formation académique. Le musée d’Orsay présente cette toile comme l’une des premières représentations des ouvriers urbains, moins présents dans la peinture que les paysans. Refusée au Salon de 1875, elle est exposée avec les impressionnistes en 1876. Le travail manuel devient ainsi le sujet principal d’une grande composition.
Source : Musée d’Orsay, notice RF 2718.
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#15
Pierre-Auguste Renoir15. La Loge
Dans La Loge, Renoir transforme une sortie au théâtre en jeu de regards : la femme abaisse ses jumelles, tandis que l’homme observe ailleurs dans le public. La scène a été composée en atelier avec le modèle Nini Lopez et Edmond, le frère du peintre. Présentée à la première exposition impressionniste de 1874, elle associe un sujet de la vie parisienne à un cadrage serré. Les rayures noires et blanches de la robe répondent à la tenue de l’homme ; les fleurs roses et les perles éclairent le premier plan. La touche souple donne aux tissus et aux visages une présence lumineuse.
Source : Courtauld Gallery — La Loge.
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#16
Claude Monet16. La Gare Saint-Lazare — version de Londres
Cette version de La Gare Saint-Lazare, conservée à Londres, montre deux locomotives entourées de voyageurs sous la verrière. Les poutres sombres et les trois arches à droite donnent une structure au tableau, tandis que la vapeur blanche et bleutée brouille les contours. Monet peint une douzaine de vues de la gare au début de 1877, après avoir obtenu l’autorisation d’y travailler. Ici, les touches rapides privilégient la lumière et l’atmosphère plutôt que les détails mécaniques. Le musée distingue plusieurs étapes d’exécution : cette apparence spontanée résulte donc d’un travail repris. L’œuvre illustrée est différente des versions conservées à Orsay et à Harvard.
Source : National Gallery — The Gare St-Lazare.
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#17
Alfred Sisley17. Le Pont de Villeneuve-la-Garenne
Dans Le Pont de Villeneuve-la-Garenne, Sisley adopte un point de vue rapproché : le pont suspendu entre par la gauche et traverse la composition en diagonale. Construit en 1844, cet ouvrage de fonte et de pierre relie le village à Saint-Denis. Les barques et les promeneurs animent les rives de la Seine, devant les maisons baignées de soleil. Les touches claires posées sur l’eau suggèrent des reflets changeants, en contraste avec les lignes régulières des câbles. Peint en 1872, le tableau associe ainsi les loisirs au bord de l’eau à une infrastructure moderne intégrée au paysage. Durand-Ruel l’achète dès le mois d’août de cette année.
Sources : Metropolitan Museum of Art — notice de l’œuvre ; Musée du Luxembourg — composition et acquisition.
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#18
Gustave Caillebotte18. Le Pont de l'Europe
Dans Le Pont de l’Europe, Caillebotte représente les promeneurs au-dessus des voies de la gare Saint-Lazare, à Paris. Le treillis métallique occupe la droite : ses grandes diagonales et la perspective du trottoir entraînent le regard vers les immeubles lointains. Un couple élégant avance à gauche, un homme se penche sur la rambarde et un chien entre au premier plan. Les ombres géométriques prolongent les poutres sur le sol. Peinte en 1876, cette scène fait de l’architecture ferroviaire un sujet majeur de la vie moderne. Les figures partagent le même trottoir, mais leurs directions et leurs regards créent une impression de distance entre elles.
Source : Photo Elysée — dossier de l’exposition Train Zug Treno Tren (2022), pour la date, la technique, les dimensions et la collection.
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#19
Édouard Manet19. Étude pour Un bar aux Folies-Bergère
L’image montre l’Étude pour Un bar aux Folies-Bergère, peinte par Manet en 1881, et non la grande toile achevée en 1882. La serveuse se tient à droite du centre, les mains croisées devant la taille ; son reflet apparaît derrière elle et la foule est esquissée par des touches rapides. Cette petite huile prépare la composition définitive : Manet y déplacera la figure au centre et lui donnera les mains appuyées sur le comptoir. Le catalogue du Courtauld confirme que les mains croisées figuraient aussi dans un premier état du tableau final. L’étude, en collection particulière, permet ainsi de suivre les changements de pose et de composition.
Sources : The Courtauld Collection — étude de 1881, figure 65 et commentaire ; Courtauld Gallery — tableau définitif de 1882.
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#20
Pierre-Auguste Renoir20. La Balançoire
Dans La Balançoire, Renoir surprend une conversation : un homme de dos s’adresse à une jeune femme debout sur la planche, tandis qu’une fillette et un second homme les observent. La robe blanche aux nœuds bleus reçoit des taches de soleil filtrées par les feuillages, comme les vêtements et le sol. Ces touches claires donnent à la scène une lumière vibrante. Peinte durant l’été 1876, l’œuvre partage avec le Bal du moulin de la Galette plusieurs modèles, dont Edmond Renoir, Norbert Goeneutte et Jeanne. Présentée à l’exposition impressionniste de 1877, elle déplaît à certains critiques par ses effets lumineux, mais trouve un acquéreur en Gustave Caillebotte.
Source : Musée d’Orsay — La Balançoire.
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#21
Claude Monet21. Les Meules — version du musée Barberini
Cette version des Meules montre une rangée qui s’éloigne en diagonale depuis une grande meule coupée par le bord gauche. Le contre-jour embrase les contours orangés, tandis que des violets et des bleus colorent les ombres. Monet fait du même motif un laboratoire de lumière : il lui consacre vingt-cinq tableaux en 1890–1891, près de sa maison de Giverny. Ces amas protègent des gerbes de céréales non battues, recouvertes de paille ou de foin. Le musée Barberini date cette toile de 1890, tout en signalant la signature « Claude Monet 91 ». Elle appartient à la collection Hasso Plattner présentée à Potsdam.
Source : Musée Barberini — Grainstacks, MB-Mon-26.
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#22
Edgar Degas22. Danseuses bleues
Les Danseuses bleues illustrées ici sont une huile sur toile du musée d’Orsay, datée vers 1890, et non le pastel homonyme du musée Pouchkine. Trois danseuses occupent le premier plan : l’une relève les bras, une autre est vue de dos et la troisième se penche vers son costume. Leurs tutus forment une large masse bleue, contrastant avec les tons chauds de la coulisse à droite. Des figures plus petites apparaissent au fond. Le cadrage rapproché, les gestes et les contours parfois imprécis privilégient le mouvement plutôt qu’une pose de spectacle. Le tableau entre dans les collections nationales en 1951 par le don du docteur et de Mme Albert Charpentier.
Source : Musée d’Orsay — Danseuses bleues.
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#23
Berthe Morisot23. Jour d'été
Dans Jour d’été, deux femmes prennent place dans une barque sur le lac du Bois de Boulogne. Le cadrage serré nous rapproche des passagères : une ombrelle bleue repose sur les genoux de la femme en robe claire, tandis que des canards nagent à droite. Morisot anime les vêtements et l’eau par des touches en zigzag, reliant les figures à leur environnement lumineux. Datée vers 1879, la toile a probablement été réalisée en partie en atelier, après une étude à l’aquarelle sur place. La National Gallery considère qu’elle fut presque certainement présentée à l’exposition impressionniste de 1880 sous le titre Le Lac du Bois de Boulogne.
Source : National Gallery — Summer’s Day.
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#24
Claude Monet24. Les Coquelicots
Peints en 1873 pendant les années de Monet à Argenteuil, Les Coquelicots sont présentés à la première exposition impressionniste de 1874. Deux groupes, chacun formé d’une femme et d’un enfant, organisent une diagonale entre le sommet de la pente et le premier plan. Le musée identifie probablement Camille et Jean Monet dans le groupe le plus proche : cette identification reste une hypothèse. Les grandes touches rouges des fleurs rythment le champ et contrastent avec les verts bleutés à droite. Les contours peu détaillés privilégient la sensation lumineuse d’une promenade estivale. La toile entre dans les collections nationales par la donation Étienne Moreau-Nélaton en 1906.
Source et image : Musée d’Orsay — Coquelicots. Image © GrandPalaisRmn (musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski.
Voir la notice du musée →
#25
Pierre-Auguste Renoir25. Les Parapluies
Dans Les Parapluies, Renoir rapproche les passants d’une rue parisienne sous une voûte de parapluies bleus. À gauche, une jeune femme porte une boîte à chapeaux ; à droite, une mère accompagne ses deux filles, dont la plus jeune tient un cerceau. Le tableau, daté vers 1881–1886, a été peint en deux grandes étapes espacées d’environ quatre ans. Le groupe de droite conserve des touches souples et lumineuses, tandis que les personnages de gauche, repris ensuite, présentent des contours plus nets. Les examens techniques confirment ces différences. L’œuvre rend ainsi visible l’évolution de Renoir vers un dessin plus structuré, nourri par son intérêt pour l’art classique.
Source : National Gallery — The Umbrellas.
Commander une reproduction de ce tableau →Boulevards, gares, cafés, loges et salles de danse montrent une capitale en mouvement, parfois élégante et rarement immobile.
#26
Edgar Degas26. Répétition d'un ballet sur scène
Dans Répétition d’un ballet sur la scène, Degas adopte une vue latérale et légèrement plongeante. À gauche, les danseuses attendent, s’étirent ou ajustent leurs vêtements ; à droite, d’autres répètent près du bord éclairé de la scène. La blancheur des tutus rythme une composition dominée par les gris et les bruns. Cette huile de 1874, présentée à la première exposition impressionniste, fut parfois prise pour un dessin. La mince couche de peinture laisse voir des reprises, notamment aux jambes de certaines figures. Le musée explique probablement sa monochromie par sa destination de modèle pour un graveur : elle contraste avec les couleurs éclatantes des œuvres tardives de Degas.
Source : Musée d’Orsay — Répétition d’un ballet sur la scène.
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#27
Claude Monet27. Le Pont d'Argenteuil
Dans Le Pont d’Argenteuil, Monet peint des voiliers amarrés devant le pont routier qui traverse la Seine. Cette vue de 1874 appartient à un ensemble consacré à cet ouvrage, distinct des tableaux du pont ferroviaire. Les mâts et les toits orangés répondent au bleu de l’eau par un contraste de couleurs complémentaires. Les contours fermes des bateaux et du pont contrastent avec les touches fragmentées des reflets : la surface du fleuve semble vibrer sans effacer la structure du paysage. Présentée à la deuxième exposition impressionniste en 1876, cette toile fait de la lumière sur l’eau un sujet aussi essentiel que le pont lui-même.
Source : Musée d’Orsay — Le Pont d’Argenteuil.
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#28
Alfred Sisley28. Neige à Louveciennes — version de la Courtauld
Dans cette version de Neige à Louveciennes, Sisley suit une route non pavée vers les maisons et les collines du village. Quelques passants donnent l’échelle du paysage. À droite, les grands arbres se détachent en traits sombres sur le ciel, tandis que les toits enneigés renvoient une lumière douce. La neige laisse apparaître la terre et l’herbe : ses blancs contrastent avec les tons chauds du chemin et les bleus du lointain. Les touches varient selon les surfaces, donnant une présence différente aux troncs, à la végétation et aux toitures. Cette toile de la Courtauld Gallery, datée vers 1874, doit être distinguée du tableau homonyme conservé au musée d’Orsay.
Source : Courtauld Gallery — Snow at Louveciennes.
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#29
Alfred Sisley29. La Barque pendant l'inondation, Port-Marly
Sisley peint La Barque pendant l’inondation, Port-Marly après la crue de la Seine du printemps 1876, un événement auquel il consacre six toiles. À gauche, la maison du marchand de vins se présente en biais ; devant sa façade, des silhouettes se tiennent dans une barque. Le ciel nuageux et l’eau occupent une grande partie du tableau. Les murs jaunes et rosés, solidement dessinés, contrastent avec les reflets fragmentés du premier plan. Cette opposition fait sentir la stabilité du bâtiment face à une surface liquide changeante. L’œuvre transforme ainsi un épisode de la vie locale en étude impressionniste de la lumière, des couleurs et de l’eau.
Source : Musée d’Orsay — La Barque pendant l’inondation, Port-Marly.
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#30
Édouard Manet30. Argenteuil
Peint pendant l’été 1874, Argenteuil témoigne du rapprochement de Manet avec Monet, qui l’invite à travailler auprès de lui sur les effets de lumière au bord de l’eau. Au premier plan, un canotier en maillot rayé tourne la tête vers une femme dont la robe et le chapeau occupent une grande partie de la composition. Selon le musée de Tournai, l’homme représente Rudolf Leenhoff, beau-frère du peintre ; l’identité de sa compagne demeure inconnue. Le bleu intense de la Seine sépare les figures de la rive lointaine. Mâts, cordages et voiles encadrent ce double portrait, où les loisirs nautiques deviennent un sujet de la vie moderne.
Source : Musée des Beaux-Arts de Tournai — Argenteuil.
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#31
Pierre-Auguste Renoir31. La Promenade
Dans La Promenade, un homme tend la main à une femme qui avance sur un sentier boisé. Sa robe blanche accroche la lumière filtrée par le feuillage, tandis que le costume sombre de son compagnon se fond davantage dans la végétation. Peinte en 1870, la scène rappelle les promenades galantes de Watteau et de Fragonard, admirés par Renoir au Louvre. Elle témoigne aussi de ses recherches après un été de travail en plein air avec Monet : touches souples, lumière fragmentée et peinture fluide donnent profondeur et mouvement au sous-bois. Le titre actuel vient d’un ancien propriétaire ; celui choisi par Renoir n’est pas connu.
Source : J. Paul Getty Museum — The Promenade.
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#32
Camille Pissarro32. Le Boulevard de Montmartre, matinée de printemps
Depuis sa chambre du Grand Hôtel de Russie, Pissarro observe le boulevard Montmartre en plongée. Dans cette matinée de printemps de 1897, les jeunes feuilles vert clair encadrent une chaussée animée de voitures et de passants. Les façades convergent vers le lointain, tandis que les petites touches font circuler le regard entre trottoirs, arbres et attelages. La perspective reste reconnaissable d’une toile à l’autre, mais la lumière, le temps et l’activité de la rue changent : c’est le principe de sa série des boulevards. Présentée à Jérusalem jusqu’en 2013 après sa restitution à l’héritière de Max Silberberg, cette œuvre a été mise en vente chez Sotheby’s en 2014.
Source : Sotheby’s — catalogue de la vente de 2014, lot 43.
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#33
Claude Monet33. Le Jardin de l'artiste à Giverny
Dans Le Jardin de l’artiste à Giverny, les iris violets et mauves occupent le premier plan. Des passages de terre chaude traversent les massifs, tandis que les troncs et le feuillage laissent entrevoir la maison au fond. Monet oppose les touches dressées des fleurs aux chemins qui conduisent le regard dans le jardin : la profondeur naît autant des couleurs que de la perspective. Peinte en 1900, cette toile représente le jardin fleuri du peintre, distinct de son bassin aux nymphéas. La place donnée aux iris est confirmée par la Maison et les jardins de Claude Monet. Conservée au musée d’Orsay, l’œuvre est entrée dans les collections nationales par dation en 1983.
Sources : Musée d’Orsay — Le Jardin de l’artiste à Giverny ; Maison et jardins de Claude Monet — les iris.
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#34
Claude Monet34. Femmes au jardin
Avec Femmes au jardin, Monet donne à une scène contemporaine un format monumental, habituellement réservé à la peinture d’histoire. Il commence la toile en plein air en 1866 et creuse une tranchée pour pouvoir l’abaisser et peindre sa partie haute depuis le même point de vue. Camille Doncieux pose pour les trois figures de gauche, sans que leurs visages constituent de véritables portraits. Les robes claires, traversées par les ombres du feuillage, rendent visibles les variations de lumière ; l’arbre central et le chemin structurent la composition. Achevé en atelier, le tableau est refusé au Salon de 1867, notamment pour sa touche apparente et l’absence de récit traditionnel.
Source : Musée d’Orsay — Femmes au jardin.
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#35
Édouard Manet35. Le Chemin de fer
Dans Le Chemin de fer, Manet place deux figures devant une grille près de la gare Saint-Lazare. Victorine Meurent, assise avec un livre ouvert et un chiot endormi, regarde le spectateur ; la fillette, vue de dos, se tourne vers la vapeur qui masque les voies. Le bleu de la robe de la femme répond au grand nœud de l’enfant, tandis que les barreaux noirs découpent l’arrière-plan clair. Leur relation reste ambiguë : Manet ne précise pas s’il s’agit d’une mère, d’une accompagnatrice ou d’une autre situation. Exposée au Salon de 1874, la toile fait entrer le chemin de fer dans une scène de la vie quotidienne sans montrer de locomotive.
Source : National Gallery of Art — The Railway.
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#36
Pierre-Auguste Renoir36. Les Grandes Baigneuses
Dans Les Grandes Baigneuses, une femme dans l’eau s’apprête à éclabousser une compagne assise sur la berge. Ce geste joueur anime une composition où les corps aux contours précis contrastent avec le paysage aux touches plus libres. Renoir travaille à cette toile de 1884 à 1887, multipliant les dessins préparatoires, dont au moins deux grandes études réunissant plusieurs figures. Le modelé presque sculptural et l’application soigneuse d’une peinture sèche traduisent sa recherche d’un accord entre la tradition française des XVIIe et XVIIIe siècles et la peinture moderne. L’œuvre éclaire ainsi une évolution de Renoir au-delà de sa manière impressionniste des années 1870.
Sources : Philadelphia Museum of Art — The Great Bathers ; notice de la collection sur Google Arts & Culture.
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#37
Camille Pissarro37. Place du Théâtre-Français et Avenue de l'Opéra, Brouillard
Peinte en décembre 1897 depuis l’Hôtel du Louvre, cette vue appartient à la série de quinze paysages parisiens que Pissarro réalise pendant l’hiver 1897–1898. La fontaine, les voitures et les passants restent perceptibles au premier plan, tandis que l’avenue de l’Opéra s’efface dans le brouillard. À droite, la masse du bâtiment du Théâtre-Français contraste avec cet espace presque vide. Les roses, les gris et les nuances mauves donnent à la scène une atmosphère humide et feutrée. Selon la notice du Dallas Museum of Art, cette toile est le seul effet de brouillard de la série. Elle montre comment Pissarro transforme un carrefour animé en étude des contours atténués par l’air.
Source : Dallas Museum of Art — Place du Theatre Francais: Fog Effect, notice de collection.
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#38
Camille Pissarro38. La Moisson à Montfoucault
Dans La Moisson à Montfoucault, les gerbes dorées rassemblées dans le champ répondent à la masse verte d’un grand arbre. Quelques paysans ponctuent la scène, notamment une figure près des gerbes à droite. Le ciel bleu chargé de nuages blancs occupe une large place et donne de l’ampleur à ce paysage de récolte. Les touches visibles animent la terre, la végétation et les nuages, tandis que les jaunes du champ contrastent avec les verts du lointain. Peinte en 1876, cette huile sur toile est présentée à la troisième exposition impressionniste en 1877. Elle entre dans les collections nationales en 1896 grâce au legs de Gustave Caillebotte.
Source : Musée d’Orsay — La Moisson à Montfoucault.
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#39
Claude Monet39. Le Bassin aux Nymphéas, harmonie verte
Dans Le Bassin aux nymphéas, harmonie verte, le pont japonais forme une grande courbe au-dessus de l’eau. Le feuillage retombant du saule, les plantes des berges et leurs reflets entourent les fleurs roses et claires qui ponctuent le bassin. Monet organise cette vue de 1899 par des directions contrastées : les lignes du pont traversent le tableau, les branches descendent et les touches des nymphéas s’étalent à la surface. Le cadrage serré laisse peu de place au ciel et concentre l’attention sur les verts, les bleus et la lumière réfléchie. Cette toile presque carrée est entrée dans les collections nationales grâce au legs du comte Isaac de Camondo en 1911.
Source : Musée d’Orsay — Le Bassin aux nymphéas, harmonie verte.
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#40
Pierre-Auguste Renoir40. Chemin montant dans les hautes herbes
Dans Chemin montant dans les hautes herbes, Renoir fait serpenter un sentier clair à travers une pente verdoyante. Au centre, des promeneurs se détachent par leurs vêtements bleus et une ombrelle rouge ; d’autres silhouettes apparaissent au sommet. Les fleurs rouges du premier plan répondent à cette ombrelle, tandis que les arbres projettent des ombres bleutées dans l’herbe. La touche légère laisse les contours se fondre dans la végétation : regardez comment le chemin reste lisible sans dessin appuyé. Datée vers 1875 par le musée d’Orsay, cette huile sur toile montre la place des loisirs en plein air dans le paysage impressionniste.
Source : musée d’Orsay, notice de l’œuvre.
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#41
Berthe Morisot41. Femme à sa toilette
Dans Femme à sa toilette, Berthe Morisot montre une Parisienne de dos, un bras levé pour défaire son chignon après un bal, selon la notice du musée. La robe blanche découvre les épaules ; une boucle d’oreille et un ruban noir soulignent la nuque. À gauche, le miroir renvoie un reflet brouillé plutôt qu’un visage net. Les touches souples mêlent la robe, les fleurs et les motifs du décor dans une gamme de blancs, de gris et de roses. Regardez le contraste entre le ruban sombre et cette matière légère : il guide l’œil vers le geste. Peinte entre 1875 et 1880, l’œuvre figurait à la cinquième exposition impressionniste, en 1880.
Source : Art Institute of Chicago, notice de l’œuvre.
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#42
Édouard Manet42. Dans la serre
Dans Dans la serre, Manet représente ses amis, le couple Guillemet, qui tenaient un commerce de mode rue Saint-Honoré. La femme est assise devant un banc bleu ; son mari se penche derrière le dossier. Regardez leurs mains au centre : elles se rapprochent, mais le cigare tenu par l’homme interrompt le contact, comme le souligne la notice du musée. Le chapeau jaune et l’ombrelle claire illuminent la robe grise au milieu des feuillages. Les regards restent séparés, donnant à cette conversation une tension discrète. Datée de 1878–1879, la toile fut peinte dans l’atelier aménagé en serre de Georg von Rosen, puis acquise pour la Nationalgalerie en 1896.
Source : Staatliche Museen zu Berlin, notice de l’œuvre.
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#43
Pierre-Auguste Renoir43. Danse à la ville
Dans Danse à la ville, Suzanne Valadon et Paul Lhote forment un couple presque grandeur nature dans un format haut et étroit. La robe claire, les longs gants et la fleur dans les cheveux se détachent de l’habit noir du partenaire ; le dos tourné de la danseuse et la traîne prolongent le mouvement vers le bas. Regardez les plis bleutés du tissu et les bras qui dessinent l’étreinte. Conçue comme le pendant de Danse à la campagne, cette toile de 1883 privilégie une élégance retenue et une gamme froide. Le musée d’Orsay y souligne le dessin plus précis adopté par Renoir après sa découverte de Raphaël en Italie.
Source : musée d’Orsay, notice de l’œuvre.
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#44
Claude Monet44. Terrasse à Sainte-Adresse
Peinte pendant l’été 1867 près du Havre, Terrasse à Sainte-Adresse, également intitulée Jardin à Sainte-Adresse, associe une scène familiale à un paysage maritime animé. Deux figures sont assises au premier plan, tandis qu’un couple se tient près de la balustrade ; le père de Monet est l’homme au chapeau de paille. Regardez les trois bandes de la composition : terrasse fleurie, mer et ciel. Les mâts des drapeaux les traversent et les ombres bleutées contrastent avec le soleil jaune. Ce point de vue élevé, rapproché par le Met des estampes japonaises, souligne la surface du tableau. Monet présenta l’œuvre à la quatrième exposition impressionniste, en 1879.
Source : Metropolitan Museum of Art, notice de l’œuvre.
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#45
Pierre-Auguste Renoir45. Portrait de Jeanne Samary
Ce Portrait de Jeanne Samary montre l’actrice de face, dans un cadrage rapproché centré sur son visage. Ses cheveux roux se détachent d’un fond aux touches grises et bleutées ; le vêtement noir met en valeur un col blanc et un grand nœud rouge. Regardez comment ce nœud répond à la couleur des lèvres et anime la partie basse du portrait. Le regard direct et les contours souples donnent à la présence du modèle une simplicité immédiate. Cette version, signée et datée « Renoir, 77 », appartient à la Comédie-Française. Elle se distingue du portrait au fond rose conservé au musée Pouchkine et du portrait en pied de l’Ermitage.
Source : Comédie-Française, catalogue La Grange.
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#46
Mary Cassatt46. Femme au collier de perles dans une loge
Dans Femme au collier de perles dans une loge, Mary Cassatt place une spectatrice en robe rose devant un miroir qui reflète les balcons de l’Opéra de Paris. À gauche, on aperçoit aussi l’arrière de sa tête : ce reflet agrandit la scène au-delà du portrait. Regardez les éclats sur le collier, les tons roses et jaunes du visage, puis l’éventail tenu sur les genoux. Ces effets d’éclairage artificiel rapprochent l’œuvre des recherches de Degas, selon le musée. Le modèle est souvent identifié à Lydia, la sœur de Cassatt, sans certitude absolue. Présentée à la quatrième exposition impressionniste de 1879, cette toile y fut particulièrement appréciée.
Sources : Philadelphia Museum of Art, notice de l’œuvre et fiche du musée sur Google Arts & Culture.
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#47
Camille Pissarro47. Les Toits rouges, coin de village, effet d'hiver
Dans Les Toits rouges, coin de village, effet d’hiver, également intitulé Côte Saint-Denis à Pontoise, Pissarro fait apparaître les maisons derrière un réseau de branches dénudées. Les façades claires et les toits orangés s’imbriquent avec les champs qui montent vers l’horizon. Regardez comment les mêmes rouges et bruns reviennent du premier plan à la colline : ils relient les différentes parties du paysage. La profondeur tient à la succession des plans et à la diminution des motifs, tandis que les empâtements accrochent la lumière. Présentée à la troisième exposition impressionniste de 1877, cette toile appartenait à Gustave Caillebotte et entra dans les collections nationales grâce à son legs, en 1896.
Source : musée d’Orsay, notice de l’œuvre.
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#48
Berthe Morisot48. Eugène Manet à l'île de Wight
Dans Eugène Manet à l’île de Wight, Berthe Morisot peint son mari de profil, au bord gauche du tableau, pendant leur voyage de noces en 1875. La scène se déroule au Globe Cottage, à Cowes. Regardez les pots de fleurs sur l’appui de la fenêtre, les rideaux clairs et les montants sombres : ils relient l’intérieur au jardin et aux quais où apparaissent des silhouettes et des bateaux. Les fleurs rouges ponctuent une lumière dominée par les verts et les jaunes. Premier portrait qu’elle consacre à Eugène, cette toile privilégie aussi les transparences et les jeux de lumière. Elle entra au musée Marmottan Monet par le legs Annie Rouart, en 1993.
Source : musée Marmottan Monet, notice de l’œuvre.
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#49
Edgar Degas49. Danseuses à la barre
Dans cette version de Danseuses à la barre, Degas montre deux ballerines qui s’étirent dans une salle de répétition : l’une, de profil, allonge sa jambe vers la gauche ; l’autre, vue de dos, la relève vers la droite. La barre et les lames du parquet conduisent le regard en diagonale, tandis qu’un vaste sol vide sépare les figures du spectateur. Regardez l’arrosoir au premier plan : utilisé pour humidifier le parquet et limiter la poussière, il fait aussi écho à la silhouette de la danseuse de droite, selon le Met. Cette œuvre de 1877, exécutée en techniques mixtes sur toile, fut présentée cette année-là à l’exposition impressionniste.
Source : Metropolitan Museum of Art, notice de l’œuvre.
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#50
Edgar Degas50. Au Café
Dans Au Café, deux femmes sont assises devant une étoffe blanche ponctuée de rouge. L'une incline la tête ; l'autre se penche vers elle, tandis que des feuillages occupent l'arrière-plan. Leurs gestes suggèrent un échange, mais Degas laisse la situation ouverte. Le Fitzwilliam Museum précise que le lieu et l'activité des personnages restent incertains : le titre, connu depuis la vente de l'atelier en 1918, ne prouve pas qu'il s'agisse d'un café. Les tons sourds et les visages peu définis donnent au tableau une atmosphère retenue. Conservée par Degas jusqu'à sa mort, cette œuvre est probablement restée inachevée.
Sources : Fitzwilliam Museum, notice de collection et analyse de l'œuvre.
Voir la notice du musée →Seine, inondations, jardins et campagnes donnent aux artistes un laboratoire grandeur nature pour observer l'atmosphère.
#51
Gustave Caillebotte51. Canotiers ramant sur l’Yerres
Dans Canotiers ramant sur l’Yerres, Caillebotte place le spectateur à l'intérieur du bateau, face à deux rameurs coiffés de chapeaux de paille. Leurs bras tendus et les rames qui traversent le cadre rendent l'effort sensible. Le premier homme, coupé par le bord inférieur, paraît tout proche ; le second prolonge la perspective de la coque. L'eau verte, animée de petites touches claires, contraste avec le bois orangé et les chemises lumineuses. Ce cadrage resserré privilégie les gestes et les reflets plutôt qu'un panorama des berges. Peinte en 1877, cette toile transforme le canotage sur l'Yerres en une scène de loisir vécue au plus près des corps.
Source : Musée d’Orsay, dossier de l’exposition « Caillebotte. Peindre les hommes ».
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#52
Claude Monet52. Le Pont japonais
Cette version tardive du Pont japonais montre comment Monet transforme un motif familier de son jardin de Giverny. La passerelle traverse le centre de la toile, mais ses contours se mêlent à une végétation dense et aux reflets du bassin. Rouges sombres, violets et verts s'entrecroisent en touches épaisses ; une zone jaune éclaire le bord supérieur gauche, tandis que des traits verticaux structurent la droite. Le regard reconnaît progressivement le pont dans cette accumulation de couleurs. Datée entre 1918 et 1924, cette toile diffère nettement des vues plus lisibles du même sujet peintes en 1899. Non signée, elle est entrée au musée Marmottan Monet grâce au legs de Michel Monet en 1966.
Source : Musée Marmottan Monet, inventaire 5091.
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#53
Mary Cassatt53. Mère et enfant
Dans Mère et enfant, aussi intitulé Bébé en costume bleu, Cassatt resserre la composition autour d'une femme vêtue de gris et de l'enfant qu'elle tient contre elle. Le visage de la mère se détourne du spectateur ; celui du bébé reste visible, avec un doigt porté à la bouche. Le bras maternel enveloppe son corps et réunit les deux figures en une seule masse. Le bleu profond du vêtement de l'enfant contraste avec les gris clairs de la robe, tandis que le décor demeure esquissé. Peinte vers 1889, cette toile fait de la proximité des visages et d'un geste ordinaire les éléments essentiels de la scène, sans ajouter de récit.
Sources : Cincinnati Art Museum, notice sur Google Arts & Culture et documentation de conservation du musée.
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#54
Alfred Sisley54. Le Canal Saint-Martin
Sisley peint ici Le Canal Saint-Martin en 1872, date inscrite sur la toile, et non en 1870 comme dans une autre vue du même lieu. Le canal occupe le premier plan ; les façades claires de la rive gauche s'y reflètent en bandes bleues, grises et blanches. Une passerelle et de petites silhouettes ponctuent le fond, tandis que le quai de droite ouvre une diagonale vers l'eau. Le vaste ciel nuageux donne de l'air à ce paysage parisien. La touche fragmentée anime les reflets et relie les bâtiments à l'atmosphère. Ce petit format montre l'intérêt de Sisley pour la lumière d'un site urbain autant que pour les paysages de campagne. L'œuvre provient de la donation Moreau-Nélaton de 1907.
Source : Musée d’Orsay, Le Canal Saint Martin, RF 1701.
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#55
Claude Monet55. La Femme à l'ombrelle — Madame Monet et son fils (la promenade)
Camille Monet se tient sur une colline, son fils Jean légèrement en retrait, dans cette toile de 1875 aussi appelée La Promenade. Le point de vue bas fait ressortir les silhouettes sur le ciel. L'ombrelle verte, le voile et les plis de la robe traduisent le vent ; l'ombre portée de Camille descend vers le premier plan. Monet reprend les petites touches jaunes des fleurs dans les reflets lumineux du vêtement, reliant ainsi la figure au paysage. Selon la National Gallery of Art, la toile a été réalisée en une seule séance en plein air. Les coups de pinceau visibles renforcent cette impression d'instant saisi. Présentée à la deuxième exposition impressionniste en 1876, l'œuvre unit portrait familial et étude de la lumière.
Source : National Gallery of Art, Madame Monet et son fils.
Voir la notice du musée →
#56
Claude Monet56. Régates à Argenteuil
Dans Régates à Argenteuil, peint vers 1872, les voiles claires se dressent devant les maisons aux toits rouges et la végétation de la rive. Monet reprend leurs couleurs dans l'eau, mais fragmente les reflets en touches horizontales : les formes se reconnaissent tout en perdant leur contour net. Les mâts et les voiles donnent des repères verticaux à cette surface mobile. Argenteuil, où Monet s'installe fin 1871, est alors un lieu important de loisirs nautiques, facilement accessible depuis Paris par le train. Le sujet lui permet surtout d'observer ensemble les variations de l'air et de l'eau en lumière naturelle. Conservée au musée d'Orsay, cette toile appartient au legs Caillebotte accepté en 1896.
Source : Musée d’Orsay, Régates à Argenteuil, RF 2778.
Voir la notice du musée →
#57
Alfred Sisley57. Canal du Loing
Cette vue du Canal du Loing date de 1884, comme l'indique la signature « Sisley 84 » en bas à droite. Un vaste ciel clair occupe la majeure partie de la toile ; les maisons et les arbres de la rive gauche forment une bande basse à l'horizon. Des bateaux ponctuent le canal, avec un mât près du centre et une embarcation sombre à droite. Dans l'eau, les reflets des bâtiments se décomposent en touches courtes, tandis que le bleu du ciel se prolonge au premier plan. Sisley équilibre ainsi l'activité discrète du canal et l'ouverture du paysage. Cette petite toile, distincte de son Canal du Loing de 1892, est entrée dans les collections nationales par un legs en 1972.
Source : Musée d’Orsay, Canal du Loing, RF 1972 33.
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#58
Berthe Morisot58. La Lecture
Dans La Lecture, Morisot représente sa sœur Edma assise sur un châle dans un pré, les yeux baissés vers un livre bleu. Une ombrelle et un éventail reposent dans l'herbe, à l'écart de son attention. La robe blanche capte les nuances de la lumière extérieure ; ses petits motifs floraux font écho aux fleurs du terrain. Le Cleveland Museum of Art a révélé par radiographie que Morisot avait d'abord peint Edma regardant le spectateur, avant de diriger ses yeux vers les pages. Cette modification rend la concentration de la lectrice essentielle à la scène. Peinte en 1873 et présentée à la première exposition impressionniste en 1874, la toile associe portrait familial, loisir et observation de la lumière.
Sources : Cleveland Museum of Art, La Lecture et documentation de conservation du musée.
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#59
Édouard Manet59. Chez le père Lathuille, en plein air
Dans le jardin du restaurant du père Lathuille, aux Batignolles, un jeune homme se penche vers une femme assise devant une table nappée de blanc. Son bras posé sur le dossier de la chaise et son regard insistant rendent la scène de séduction perceptible. Le serveur, debout à droite, regarde vers le spectateur et l'inclut dans cet échange. Manet oppose la veste claire du jeune homme à la robe sombre de la femme, au milieu des verts du jardin. Le LACMA identifie le modèle masculin comme Louis Gauthier-Lathuille, fils du propriétaire. Peint en 1879 et présenté au Salon de 1880, le tableau illustre l'intérêt de Manet pour les relations et les gestes de la vie parisienne moderne.
Sources : Musée des Beaux-Arts de Tournai, LACMA, identification du modèle et Musée d’Orsay, Salon de 1880.
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#60
Claude Monet60. La rue Montorgueil
Monet peint La Rue Montorgueil le 30 juin 1878, lors d'une fête célébrant la paix et le travail, organisée pendant l'Exposition universelle de Paris. Celle-ci était alors ouverte depuis quelques semaines : il ne s'agit pas de sa clôture. Observée depuis une fenêtre, la rue s'enfonce entre deux façades couvertes de drapeaux tricolores. Les touches rouges, blanches et bleues suggèrent leur flottement, tandis que les petites silhouettes donnent à la foule un mouvement continu. Le format vertical accentue la profondeur et l'impression d'immersion dans cette animation collective. Le musée d'Orsay rappelle que la scène est souvent confondue avec le 14 juillet, devenu fête nationale seulement en 1880. Monet montre ici un Paris festif dans le contexte de consolidation du régime républicain.
Source : Musée d’Orsay, La Rue Montorgueil, fête du 30 juin 1878.
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#61
Alfred Sisley61. Le Pont de Moret
Dans cette version de 1888 du Pont de Moret, Sisley rassemble les arches du pont, les moulins et la porte de Bourgogne autour du Loing. Les bâtiments clairs occupent le centre, tandis que l’eau et le ciel donnent de l’espace à la composition. Les touches courtes font vibrer les reflets sans effacer la solidité de l’architecture. Les gris bleutés répondent aux tons plus chauds des toits, créant un équilibre que souligne le musée. Ce paysage montre comment Sisley associe un site reconnaissable de Moret-sur-Loing à l’étude de la lumière : les constructions structurent la vue, mais la rivière anime toute la partie inférieure du tableau.
Source : Minneapolis Institute of Art — notice de l’œuvre.
Voir l’œuvre au musée →
#62
Pierre-Auguste Renoir62. Madame Charpentier et ses enfants
Renoir représente Marguerite Charpentier, épouse de l’éditeur Georges Charpentier, dans le salon de leur hôtel particulier parisien. Paul, trois ans, est assis près de sa mère ; sa sœur Georgette prend place sur le grand chien de la famille. Leurs robes identiques correspondent à la mode enfantine de l’époque : il ne s’agit donc pas de deux filles. La robe noire de Madame Charpentier contraste avec les tenues bleues et blanches des enfants et le décor japonais aux tons dorés. Commandé à Renoir, ce portrait associe élégance sociale et proximité familiale. Marguerite, qui recevait notamment Flaubert et Zola, obtint pour le tableau un emplacement favorable au Salon de 1879.
Source : Metropolitan Museum of Art — notice de l’œuvre.
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#63
Claude Monet63. Le Bassin d'Argenteuil
Cette version du Bassin d’Argenteuil, également intitulée Le Port d’Argenteuil, est peinte en 1874 et conservée à Bloomington. Monet adopte un point de vue élevé : la berge arborée traverse la gauche en diagonale, tandis que les voiliers amarrés occupent l’eau à droite. Leurs mâts et leurs reflets forment une succession de verticales, contrastant avec les petites touches horizontales du fleuve. Un bâtiment jaune au premier plan et les cheminées lointaines rappellent que ce lieu de plaisance appartient aussi à une ville industrielle. La lumière aux tons dorés rapproche le ciel de l’eau et unit ces éléments. Il faut distinguer cette toile de la version d’Orsay, datée vers 1872.
Sources : Smithsonian — identification de l’œuvre de Bloomington ; musée d’Orsay — autre version, vers 1872.
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#64
Edgar Degas64. L'Orchestre de l'Opéra
Au premier plan de L’Orchestre de l’Opéra, Degas met en valeur son ami Désiré Dihau, occupé à jouer du basson. Les visages et les instruments se détachent des habits noirs ; au-dessus, les tutus lumineux et les jambes des danseuses apparaissent dans un cadrage qui coupe le haut de leurs corps. Cette opposition donne aux musiciens la place centrale habituellement réservée au ballet. Degas réorganise aussi la fosse pour favoriser Dihau, notamment en avançant son instrument : la scène est une composition réfléchie, et non un relevé fidèle de l’orchestre. Peinte vers 1870, cette œuvre associe portrait de groupe et spectacle, tout en invitant à regarder ceux qui produisent la musique.
Sources : musée d’Orsay — notice de l’œuvre ; dossier de l’exposition Degas à l’Opéra.
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#65
Paul Cézanne65. La Maison du pendu
À Auvers-sur-Oise, Cézanne peint un paysage sans personnages où les maisons et les talus occupent presque tout le premier plan. Les chemins suivent plusieurs directions : l’un monte vers la gauche, un autre descend entre les bâtiments, tandis que les branches prolongent ces diagonales. Cette composition resserrée et la peinture épaisse donnent aux murs et aux toits une présence solide. Le travail auprès de Pissarro se retrouve dans la palette éclaircie et les touches séparées, mais Cézanne conserve une matière dense qui distingue sa manière. Présentée avec deux autres toiles à la première exposition impressionniste de 1874, La Maison du pendu est achetée par le comte Doria, puis entre dans les collections nationales par le legs Camondo de 1911.
Source : musée d’Orsay — notice de l’œuvre.
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#66
Claude Monet66. Le Parlement de Londres, soleil couchant
Dans cette version signée et datée de 1903, Monet fait du Parlement de Londres une silhouette bleue qui se détache d’un ciel rose, jaune et violet. Les tours restent reconnaissables, mais leurs contours se fondent dans l’atmosphère. Sur la Tamise, les touches courtes et horizontales mêlent les couleurs du ciel aux reflets des bâtiments, tandis qu’une petite embarcation se distingue près du centre. Ce contraste entre les verticales de l’architecture et le mouvement de l’eau structure le tableau. L’intérêt porte autant sur la lumière changeante que sur le monument lui-même. Cette toile fut exposée chez Durand-Ruel en 1904, puis entra à la National Gallery of Art par le legs Chester Dale de 1963.
Source : National Gallery of Art — notice de l’œuvre.
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#67
Mary Cassatt67. Dans la loge
Dans Dans la loge, Cassatt représente une spectatrice de profil, vêtue de noir, qui porte ses jumelles à ses yeux. Son visage et sa main claire se détachent de la robe sombre ; les balcons courbes conduisent le regard vers les autres spectateurs. À distance, un homme l’observe lui aussi avec des jumelles. Selon le musée, la femme regarde un autre membre du public : le sujet est donc autant la salle et ses échanges de regards que le spectacle. L’éventail tenu sur ses genoux et les touches rapides des figures lointaines complètent cette scène de la vie parisienne. Peinte en 1878, l’œuvre montre une femme qui participe activement à l’observation, même lorsqu’elle devient elle-même le centre de l’attention.
Source : Museum of Fine Arts, Boston — notice publiée sur Google Arts & Culture.
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#68
Édouard Manet68. La Prune
Dans La Prune, Manet peint une femme assise à une table de café, la joue appuyée sur le dos de la main et le regard tourné au loin. Sa robe rose et ses dentelles claires contrastent avec la banquette rouge et les boiseries du fond. L’autre main tient une cigarette ; devant elle, un petit verre contient une prune dans un liquide ambré. La table de marbre sépare le personnage du spectateur et porte la signature du peintre. Ces détails donnent à la scène une impression de pause, sans établir ce que la femme attend ni son histoire. Datée vers 1877, la toile entre à la National Gallery of Art en 1971 grâce au don de la collection Paul Mellon.
Source : National Gallery of Art — notice de l’œuvre.
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#69
Édouard Manet69. Le Repos
Manet représente la peintre Berthe Morisot dans une robe blanche, assise de manière détendue sur un canapé aux tons sombres. Son bras tendu, l’éventail et les plis amples de l’étoffe organisent le premier plan ; les contrastes clairs et foncés renforcent la présence du personnage dans un espace resserré. Au-dessus d’elle, une estampe japonaise montre une plongeuse poursuivie par un dragon : son agitation contraste avec le calme de la pose. Selon le musée, cette attitude et la tenue informelle ont dérouté certains spectateurs. Manet concevait l’œuvre comme une étude du repos physique et intérieur. Datée vers 1871, elle figure aujourd’hui au RISD Museum grâce au legs Edith Stuyvesant Vanderbilt Gerry de 1959.
Source : RISD Museum — notice de l’œuvre et image, domaine public CC0.
Voir l’œuvre au musée →
#70
Mary Cassatt70. Jeune Fille au jardin
Également appelée Jeune femme cousant dans un jardin, cette toile de Cassatt montre une figure assise, la tête baissée sur son ouvrage. Les mains rapprochées et le regard concentré rendent le geste de couture central. La robe claire occupe une grande partie du premier plan, entourée de fleurs rouges et de feuillage vert ; derrière elle, un chemin en diagonale donne de la profondeur au jardin. Le visage et le buste sont dessinés avec précision, tandis que la jupe et la végétation sont traitées par des coups de pinceau plus libres. Cette différence de touche unit observation du personnage et lumière du plein air. Peinte entre 1880 et 1882, l’œuvre est présentée à la dernière exposition impressionniste de 1886.
Source : musée d’Orsay — notice de l’œuvre.
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#71
Mary Cassatt71. La Tasse de thé
Cassatt prend pour modèle sa sœur Lydia, installée à Paris avec leurs parents depuis 1877. La jeune femme est représentée de profil, vêtue de rose, tenant une tasse et sa soucoupe avec des mains gantées de blanc. La robe claire contraste avec le fauteuil sombre ; les fleurs et les touches vertes du fond prolongent les accords de couleurs. Le geste de boire le thé devient le sujet principal, au croisement du portrait familial et d’un rituel social de la bourgeoisie parisienne. Les coups de pinceau visibles animent les étoffes sans faire perdre sa lisibilité à la pose. Datée vers 1880–1881, La Tasse de thé est exposée avec succès à l’exposition impressionniste de 1881.
Source : Metropolitan Museum of Art — notice de l’œuvre.
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#72
Claude Monet72. La Grenouillère — Claude Monet (Met, 1869)
Durant l’été 1869, Monet et Renoir travaillent à La Grenouillère, lieu de baignade et de canotage sur la Seine près de Paris. Dans cette version, une petite plateforme arborée rassemble les promeneurs au centre ; les baigneurs apparaissent à gauche, le café flottant à droite et les barques au premier plan. Les reflets sont peints par des touches larges et séparées, dont l’alternance claire et sombre rend le mouvement de l’eau sensible. Les personnages restent esquissés, tandis que les passerelles et les embarcations organisent l’espace. Monet considérait ces essais comme des préparations à une composition plus ambitieuse. Le Met rapproche cette toile d’une version de Renoir conservée à Stockholm : leur comparaison révèle deux regards sur le même motif.
Source : Metropolitan Museum of Art — notice de l’œuvre.
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#73
Claude Monet73. La Pie
Monet peint La Pie dans la campagne près d’Étretat durant l’hiver 1868–1869. L’oiseau, petite silhouette sombre posée sur un portail, attire le regard dans un paysage dominé par la neige. La clôture, les arbres et les maisons structurent l’espace, tandis que leurs ombres traversent le premier plan. Les zones bleutées et violacées contrastent avec les blancs plus chauds éclairés par le soleil : la neige devient ainsi une surface qui reçoit et transforme la lumière. Cette palette claire donne de la profondeur à une scène presque silencieuse, sans recourir à des ombres uniformément noires. Le musée rappelle que l’audace de cette recherche contribua au refus de la toile par le jury du Salon de 1869.
Source : musée d’Orsay — notice de l’œuvre.
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#74
Gustave Caillebotte74. L'homme au balcon, boulevard Haussmann
Dans L’homme au balcon, boulevard Haussmann, Gustave Caillebotte place un personnage en haut-de-forme au premier plan, face au Paris qu’il observe. La balustrade en fer forgé et le store rayé encadrent une vue où les arbres cachent une partie de la rue, tandis que les façades restent visibles au-dessus du feuillage. Ce cadrage associe la proximité du balcon à la profondeur du boulevard. Peint depuis l’appartement de l’artiste, à l’angle de la rue Gluck et du boulevard Haussmann, le tableau porte une signature datée de 1880. Il fut présenté à la septième exposition impressionniste, en 1882.
Source : Christie’s : titre, date, dimensions, provenance et expositions.
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#75
Édouard Manet75. Le Balcon
Dans Le Balcon, Édouard Manet réunit Berthe Morisot, assise au premier plan, la violoniste Fanny Claus et le peintre Antoine Guillemet. Leurs regards suivent des directions différentes, sans installer de conversation ou de récit évident. Les robes blanches se détachent sur un intérieur sombre ; le vert de la balustrade et des persiennes répond au bleu de la cravate. Ce contraste, autant que l’immobilité des figures, explique la singularité de cette scène de la vie bourgeoise. Présentée au Salon de 1869, elle suscita l’incompréhension des critiques. La composition rappelle les Majas au balcon de Goya. Conservée au musée d’Orsay, l’œuvre est entrée dans les collections publiques grâce au legs Caillebotte, accepté en 1896.
Source : Musée d’Orsay : notice, dimensions, modèles et provenance.
Commander une reproduction de ce tableau →Portraits, scènes familiales et paysages moins célèbres révèlent les différences entre dix sensibilités, sans uniforme de pinceau.
#76
Camille Pissarro76. Gare de Lordship Lane, Dulwich
Camille Pissarro peint La Gare de Lordship Lane, Dulwich pendant son séjour à Londres, où il s’est réfugié avec sa famille à la fin de 1870 pour fuir la guerre franco-prussienne. Depuis une passerelle au-dessus des voies, il observe un train quittant la gare. Les rails conduisent le regard vers les maisons, tandis que les talus verts et les arbres conservent l’aspect rural des lieux. La vapeur se mêle au ciel clair : le chemin de fer s’intègre au paysage d’une banlieue en pleine transformation. Aucun passant n’apparaît dans la version achevée ; le Courtauld précise que Pissarro a effacé un homme initialement peint sur le talus de droite.
Source : Courtauld Gallery : notice, dimensions et étude du tableau.
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#77
Alfred Sisley77. La Débâcle de la Seine à Port-Marly
Dans La Débâcle de la Seine à Port-Marly, Alfred Sisley peint un paysage hivernal où les surfaces blanches de neige et de glace alternent avec les zones sombres de l’eau. Des personnages et une petite barque occupent le premier plan ; sur l’autre rive, les maisons aux toits enneigés se détachent devant un coteau boisé. Les touches fragmentées donnent à la surface du fleuve un aspect irrégulier, tandis que le ciel gris enveloppe l’ensemble dans une lumière froide. Le titre renvoie à la rupture des glaces lors du dégel. Cette huile de 1876 appartient au Museu de Montserrat, grâce à la donation Xavier Busquets, et ne doit pas être confondue avec La Seine à Port-Marly conservée à Lyon.
Source : Museu de Montserrat : titre, date, dimensions et donation.
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#78
Camille Pissarro78. Boulevard des Italiens, Matin, Soleil
Dans Boulevard des Italiens, matin, soleil, Camille Pissarro observe Paris depuis un point de vue élevé. La chaussée traverse le tableau en diagonale, entre les façades et les rangées d’arbres. Fiacres, omnibus et piétons composent une circulation dense ; les kiosques et les voyageurs rassemblés près des véhicules rendent la vie du boulevard concrète. Les petites touches colorées mêlent les silhouettes à la lumière filtrée par les branches. Cette vue appartient aux paysages urbains peints en 1897 depuis le Grand Hôtel de Russie, rue Drouot. Elle montre comment Pissarro applique son attention impressionniste aux variations de lumière et au mouvement de la ville. L’œuvre est entrée à la National Gallery of Art par le legs Chester Dale, en 1963.
Source : National Gallery of Art : notice, dimensions et provenance.
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#79
Edgar Degas79. Après le bain
Cette version d’Après le bain, également appelée Femme s’essuyant, est un pastel de Degas conservé à Rome. La femme incline la tête et le buste ; son bras plié, ses jambes et la serviette blanche composent un ensemble de diagonales. Le cadrage rapproché laisse peu de place au décor et concentre l’attention sur le geste de la toilette. Des hachures bleues, jaunes et roses traversent le fond comme le corps, rendant visible le travail du pastel. Datée vers 1886, cette œuvre illustre la recherche de Degas sur les mouvements ordinaires et les points de vue inhabituels. Elle est distincte de la peinture à l’huile After the Bath, vers 1895, conservée au Getty Museum.
Sources : Galleria Nazionale : œuvre et dimensions ; catalogue raisonné de Degas, MS 1059 : titre, technique et datation.
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#80
Edgar Degas80. La Répétition au foyer de la danse
Dans La Répétition au foyer de la danse, Degas représente une salle de l’ancien Opéra de la rue Le Peletier. Les grandes fenêtres éclairent les danseuses à contre-jour, dans une gamme presque monochrome que réveillent quelques ceintures colorées. À gauche, le professeur incline le corps et lève les bras pour montrer un mouvement ; à droite, une élève s’appuie sur la balustrade. La colonne et les diagonales du plancher organisent les groupes sans les aligner. Selon la Phillips Collection, certains éléments d’architecture sont inventés : cette scène associe observation et construction en atelier. Présentée à la deuxième exposition impressionniste en 1876, elle a aussi été peinte sur une toile portant auparavant un portrait vertical.
Source : The Phillips Collection : notice, dimensions et étude de la composition.
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#81
Pierre-Auguste Renoir81. La Grenouillère — Renoir (Winterthour, 1869)
Dans cette version de La Grenouillère, Renoir peint un lieu de baignade et de promenade sur la Seine, où il travaille aux côtés de Monet en 1869. Les barques occupent le premier plan ; une passerelle traverse le milieu de la composition et rejoint l’îlot animé à droite. Les promeneurs en robes claires et en costumes sombres, les baigneurs et les installations sous les arbres donnent au paysage son caractère de loisir. Sur l’eau, de larges touches vertes, bleues et jaunes fragmentent les reflets, tandis que le feuillage forme une masse plus sombre. Deux canards ponctuent le bas de la scène. Conservée à Winterthour, cette toile est une version distincte de La Grenouillère de Renoir conservée à Stockholm.
Source : Collection Oskar Reinhart : œuvre, date, technique et dimensions.
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#82
Édouard Manet82. La Musique aux Tuileries
Dans La Musique aux Tuileries, Manet représente une foule élégante réunie sous les arbres du jardin parisien pour un concert. Les musiciens restent hors du tableau : le sujet visible est le public, avec ses chaises, ses enfants, ses robes claires et ses hauts-de-forme. Manet se peint à l’extrême gauche, partiellement coupé par le bord de la toile ; Baudelaire, Fantin-Latour et Offenbach figurent parmi ses proches représentés. Les troncs rythment la foule, dont certains visages sont précis et d’autres à peine esquissés. Peinte en 1862 et exposée chez Martinet en 1863, cette scène fait des loisirs urbains un sujet majeur de peinture et annonce l’intérêt des impressionnistes pour la vie moderne.
Source : National Gallery : notice, personnages, dimensions et provenance.
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#83
Pierre-Auguste Renoir83. Sur la terrasse
Dans Sur la terrasse, aussi connu sous le titre Les Deux Sœurs, Renoir place une jeune femme et une enfant sur la terrasse du restaurant Fournaise à Chatou. Malgré le titre, les deux modèles ne sont pas sœurs. Le rouge du chapeau de l’aînée contraste avec sa tenue bleue ; les fleurs du chapeau de l’enfant répondent aux écheveaux de laine colorée du panier au premier plan. Les visages sont peints avec précision, tandis que la Seine, les barques et les branches derrière la balustrade se fondent dans des touches plus libres. Cette différence de traitement associe la présence des modèles aux effets de lumière du paysage. La toile de 1881 fut présentée à l’exposition impressionniste de 1882.
Source : Art Institute of Chicago : notice, modèles, technique et dimensions.
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#84
Alfred Sisley84. Le Chemin de la Machine, Louveciennes
Dans Le Chemin de la Machine, Louveciennes, Sisley construit le paysage autour d’une route qui relie le premier plan à un horizon légèrement décentré. La rangée d’arbres à gauche marque la profondeur par la diminution des troncs et de leurs espacements. Leurs ombres traversent le sol, tandis que les maisons et le mur à droite encadrent le chemin. Un vaste ciel clair occupe la partie supérieure, donnant à cette perspective rigoureuse une lumière ouverte. Les petites silhouettes de passants introduisent une présence quotidienne sans détourner l’attention du paysage. Peinte en 1873, cette huile conservée au musée d’Orsay montre comment Sisley associe une composition solidement organisée à l’observation des variations de lumière en Île-de-France.
Source : Musée d’Orsay : notice, perspective, technique et dimensions.
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#85
Alfred Sisley85. Effet de neige à Louveciennes
Dans Effet de neige à Louveciennes, Sisley donne une large place à un ciel bleu pâle au-dessus d’un chemin enneigé. Une clôture guide le regard vers quelques promeneurs et les maisons du village, tandis que les arbres dénudés dessinent l’horizon. Au premier plan, les ombres bleues traversent la neige et contrastent avec ses zones éclairées, plus chaudes. Les touches visibles rendent les irrégularités du sol : le blanc devient un ensemble de nuances plutôt qu’une surface uniforme. Signée et datée de 1874, cette huile est aujourd’hui conservée dans la collection Hasso Plattner au Museum Barberini de Potsdam. La collection l’a acquise en mars 2017.
Source : Museum Barberini : notice, dimensions, inventaire et provenance.
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#86
Pierre-Auguste Renoir86. Jeune Fille au ruban bleu
Dans Jeune fille au ruban bleu, Renoir représente son modèle de profil, le regard tourné vers la gauche. Le ruban bleu est noué autour du cou, et non dans la chevelure. Il apporte un accent froid au milieu des tons clairs du visage et des épaules, devant un fond orangé parcouru de touches verticales. Le contour du profil est soigneusement défini, tandis que le vêtement et l’arrière-plan gardent une facture plus libre. Cette association du dessin et de la couleur donne au portrait sa présence sans recourir à un décor détaillé. Peinte en 1888, l’œuvre est conservée au musée des Beaux-Arts de Lyon depuis le legs Jacqueline Delubac de 1997.
Source : Musée des Beaux-Arts de Lyon : notice, dimensions et provenance.
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#87
Edgar Degas87. Le Tub
Dans Le Tub, une femme accroupie se lave dans une large bassine, tandis qu’une tablette à droite rassemble deux pichets, des brosses et un linge. Le point de vue plongeant souligne la courbe du dos et le cercle du récipient ; la tablette semble presque rabattue vers le spectateur. Ce décalage de perspective, que le musée d’Orsay rapproche des estampes japonaises, rend la composition particulièrement audacieuse. Les traits de pastel mêlent tons cuivrés, gris et bleus, en laissant visible la matière du dessin. Présentée à la dernière exposition impressionniste en 1886, l’œuvre transforme un geste quotidien en étude du corps, de l’espace et de la couleur.
Source : Musée d’Orsay — Le Tub.
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#88
Gustave Caillebotte88. Les jardiniers
Dans le potager de la propriété familiale d’Yerres, deux jardiniers avancent entre les rangées de plants. Au premier plan, l’un d’eux, pieds nus et coiffé d’un chapeau de paille, utilise deux arrosoirs simultanément ; plus loin, son collègue porte les siens. Les lignes des cultures et des cloches de verre conduisent le regard vers le fond du jardin, fermé par un mur et une rangée de grands arbres. La terre mouillée prend des nuances mauves qui contrastent avec les verts des feuilles et les zones sèches plus chaudes. Comme dans Les Raboteurs de parquet, Caillebotte donne une place centrale au travail manuel : le jardin apparaît ici comme un espace entretenu par des gestes précis.
Source : Maison Caillebotte — Les Jardiniers et le potager d’Yerres.
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#89
Camille Pissarro89. Bords de l'Oise à Pontoise
Le chemin clair au premier plan longe l’Oise et conduit le regard vers les maisons de l’autre rive. Des promeneurs, de petites embarcations et les arbres relient la vie quotidienne au paysage ; au-dessus des toits, une haute cheminée laisse monter sa fumée dans un ciel bleu traversé de nuages. Cette présence industrielle nuance l’idée d’une campagne entièrement préservée : Pissarro observe un territoire où végétation, habitat et activité économique coexistent. Le grand arbre à droite encadre la vue, tandis que les verticales du clocher et de la cheminée rythment l’horizon. Le catalogue raisonné situe l’exécution en 1868, tout en précisant que le tableau porte la date 1870 : les deux repères ne désignent donc pas la même information.
Source : Wildenstein Plattner Institute — catalogue raisonné de Pissarro, renvoi à l’œuvre no 124.
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#90
Édouard Manet90. Courses à Longchamp
À l’hippodrome de Longchamp, dans le bois de Boulogne, les chevaux et leurs jockeys arrivent presque de face, au terme de la course. Les barrières obliques entraînent le regard vers le peloton, tandis que les spectateurs forment des bandes serrées sur les côtés de la piste. Les casaques claires et bleues se détachent des chevaux sombres ; les touches rapides et les projections de terre rendent la vitesse sensible. Manet choisit ainsi un point de vue inhabituel pour la peinture sportive, qui privilégiait les chevaux vus de profil. Cette scène associe mouvement, spectacle et loisirs modernes. Le musée précise que l’artiste a lui-même réduit une composition initialement plus grande au format aujourd’hui conservé.
Source : Art Institute of Chicago — The Races at Longchamp.
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#91
Berthe Morisot91. Femme et enfant au balcon
Depuis le balcon de la maison familiale de Morisot, rue Benjamin-Franklin à Passy, une femme en robe noire et une petite fille contemplent Paris. La robe claire de l’enfant, ses rubans bleus et les fleurs rouges en haut à droite contrastent avec les tons atténués du panorama. À l’arrière-plan se distinguent la Seine, le Champ-de-Mars et, sur la droite, le dôme doré des Invalides. Les figures et leurs vêtements sont plus précisément travaillés que la ville, rendue par des touches rapides. L’identité des modèles reste discutée : l’Artizon Museum évoque l’une des sœurs de Morisot, Edma ou Yves, et peut-être Paule Gobillard pour l’enfant. Le balcon relie ainsi une scène familiale à la vue de la capitale moderne.
Sources : Artizon Museum — Woman and Child on the Balcony ; Christie’s — dimensions et technique.
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#92
Edgar Degas92. La repasseuse
La repasseuse est représentée debout, de face, derrière une table couverte d’un grand linge blanc. Sa main droite tient le fer, mais son regard se dirige vers le spectateur, comme si le travail avait été momentanément interrompu. Des pièces de linge suspendues remplissent l’arrière-plan et prolongent les tons clairs de son corsage ; sa jupe sombre donne du poids à la figure. Le visage est précisément modelé, tandis que les étoffes conservent des traits et des frottements visibles. Réalisée au fusain, à la craie blanche et au pastel, cette œuvre accorde à une travailleuse une présence proche du portrait. Le musée d’Orsay identifie le modèle comme Emma Dobigny ; l’œuvre provient du legs Antonin Personnaz de 1937.
Source : Musée d’Orsay — La Repasseuse.
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#93
Alfred Sisley93. La Seine à Bougival
Deux rangées d’arbres dessinent un large V et guident le regard vers les berges de la Seine. Leurs troncs réguliers donnent une structure au paysage, tandis que les feuilles, les nuages et l’herbe sont rendus par des touches plus légères. Quelques figures occupent le premier plan et le chemin ; à droite, le bleu du fleuve ouvre une échappée entre les arbres. Le toit rouge d’un bâtiment contraste avec les verts et les bleus dominants. Sisley privilégie ici la tranquillité d’un site pourtant fréquenté par les promeneurs, les bateaux et les petites industries. Le tableau entre au Metropolitan Museum en 1992 grâce au don de M. et Mme Douglas Dillon.
Source : Metropolitan Museum of Art — The Seine at Bougival.
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#94
Claude Monet94. Le Parc Monceau
Sous une voûte de feuillage, des promeneurs occupent une allée du parc Monceau : certains avancent avec leurs ombrelles, d’autres sont assis à droite. Les robes claires se détachent de la végétation sombre, tandis que des taches de lumière roses et jaunes animent le chemin et la pelouse au premier plan. Une façade apparaît entre les branches, rappelant que ce jardin appartient au paysage parisien. Monet peint six vues du parc, trois en 1876 et trois en 1878 ; cette version verticale appartient au second groupe. Le contraste des masses sombres et lumineuses donne autant d’importance à l’organisation des couleurs qu’à la profondeur, annonçant, selon le Metropolitan Museum, certaines recherches de ses œuvres ultérieures.
Source : Metropolitan Museum of Art — The Parc Monceau.
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#95
Camille Pissarro95. Paysage à Chaponval
Au premier plan, dans l’ombre des arbres, une figure vêtue de bleu se tient près d’une vache qui broute. Derrière elle, une prairie ouvre la vue sur les maisons de Chaponval, au pied des coteaux d’Auvers-sur-Oise. Les toits rouges et bleutés ponctuent les façades claires ; plus haut, les parcelles cultivées découpent la pente en bandes vertes et ocres. Pissarro construit la profondeur par ces plans successifs, en opposant le feuillage sombre à gauche à la colline et au ciel lumineux. Les petites touches rapprochent la texture de l’herbe, des arbres et des champs. Ce paysage de 1880 associe ainsi habitat et activité rurale dans une même composition. Il provient du legs Antonin Personnaz de 1937.
Source : Musée d’Orsay — Paysage à Chaponval.
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#96
Edgar Degas96. Danseuses montant un escalier
À gauche, des danseuses partiellement coupées par le bord du tableau gravissent un escalier ; l’une d’elles arrive sur le palier, devant une salle où d’autres élèves se préparent. Le mur ocre occupe une large surface, opposant sa relative simplicité aux tutus clairs et aux gestes variés des figures. La diagonale de l’escalier relie le premier plan à l’ouverture de la salle, tandis que le parquet presque vide à droite accentue la profondeur. Degas s’attache ici aux déplacements ordinaires qui entourent la danse autant qu’aux exercices eux-mêmes. Ce format très allongé appartient aux recherches que le musée d’Orsay présente sous le nom de « tableaux en long ». L’œuvre provient du legs Isaac de Camondo de 1911.
Sources : Musée d’Orsay — Danseuses montant un escalier ; Degas à l’Opéra — les tableaux en long.
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#97
Édouard Manet97. Nana
Devant un miroir sur pied, une jeune femme en corset bleu, jupon blanc et bas clairs interrompt sa toilette pour tourner le regard vers le spectateur. Elle tient les accessoires de son maquillage ; à droite, un homme en habit et haut-de-forme est assis sur un canapé rouge, partiellement coupé par le cadrage. Les étoffes pâles, les dorures du mobilier et le décor mural composent un intérieur raffiné. La présence du visiteur masculin donne à cette scène intime une dimension sociale, sans qu’il soit nécessaire d’imaginer un échange précis. Manet organise surtout une rencontre de regards : celui de la femme, celui de l’homme et celui du public. Le contraste entre vêtements clairs et costume sombre renforce la place centrale de Nana.
Source : Hamburger Kunsthalle — Nana, HK-2376.
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#98
Edgar Degas98. Avant le ballet
Dans une salle de danse, deux ballerines occupent un banc à droite : l’une se penche vers son pied, l’autre soulève une jambe pour ajuster son bas. Au fond, à gauche, quatre élèves répètent un mouvement, jambes levées. Entre ces groupes, une grande étendue de parquet ouvre la profondeur et donne à l’attente une place aussi importante qu’aux figures. Les tutus bleu pâle se détachent des murs bruns et verdâtres ; les touches roses et turquoise du sol relient les différentes zones. Degas réunit ainsi préparation des costumes et entraînement dans une composition très allongée. Les gestes quotidiens des danseuses, observés à des distances différentes, deviennent le véritable sujet de ce tableau de la collection Widener.
Source : National Gallery of Art — Before the Ballet.
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#99
Camille Pissarro99. La Seine à Rouen, Saint-Sever
La Seine traverse la composition en diagonale, entre les bâtiments de la rive opposée et un quai encombré de bateaux au premier plan. Les cheminées des navires libèrent des fumées blanches qui se mêlent aux gris bleutés du ciel ; mâts, grues et silhouettes des entrepôts rythment le panorama. Pissarro choisit ici le port actif de Saint-Sever plutôt que les monuments de Rouen. Ses séjours dans la ville commencent en 1883 et précèdent donc ses grandes séries parisiennes. En 1896, il travaille depuis une chambre d’hôtel de la rive droite et observe les changements de lumière sur le trafic fluvial. Cette vue associe l’atmosphère changeante du fleuve à la réalité industrielle de la ville.
Sources : Musée d’Orsay — Port de Rouen, Saint-Sever ; MuMa — Pissarro à Rouen.
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#100
Camille Pissarro100. La Bergère
Une jeune femme est assise dans l’herbe, la tête inclinée et une fine baguette posée en diagonale sur ses genoux. Son chapeau jaune orangé et ses bas rouges réchauffent une composition dominée par les verts de la végétation et le bleu de sa jupe. Le cadrage rapproché donne davantage de place à la figure qu’à la description d’un paysage : aucun troupeau n’est visible. Le musée conserve aussi les titres Jeune fille à la baguette et Paysanne assise. Peinte en 1881, cette œuvre précède l’installation de Pissarro à Éragny en 1884. Présentée à la septième exposition impressionniste en 1882, elle entre dans les collections nationales grâce au legs Camondo de 1911.
Sources : Musée d’Orsay — La Bergère ; Museum Barberini — chronologie de Pissarro.
Commander une reproduction de ce tableau →Ce que révèlent les œuvres
Cent œuvres, trois révolutions très visibles
Ces œuvres montrent trois transformations majeures : l’intérêt pour la vie contemporaine, des compositions qui orientent activement le regard et une attention aux changements de lumière. Paysages et scènes d’intérieur révèlent des méthodes différentes au sein du même groupe.
La vie contemporaine devient un grand sujet
Travail, loisirs, transports et spectacles deviennent des sujets centraux. Comparez les ouvriers de Caillebotte, les danseuses de Degas et les promeneurs de Renoir.
L'instant devient une construction
La touche paraît spontanée, mais cadrage, valeurs et couleurs organisent soigneusement la sensation d'immédiateté.
Le groupe cultive les différences
Monet observe l'atmosphère, Degas le geste, Morisot l'intime et Caillebotte la ville selon des méthodes nettement distinctes.
Chronologie à ciel ouvert
Cinq dates pour suivre la lumière
Le Déjeuner sur l’herbe de Manet est présenté au Salon des refusés. Cette exposition précède de onze ans la première exposition impressionniste.
Le 15 avril, 31 artistes ouvrent une exposition indépendante à Paris, dans l’ancien atelier de Nadar. Monet, Degas, Renoir, Morisot, Pissarro, Sisley et Cézanne y participent.
La troisième exposition reprend le terme impressionniste et montre un groupe capable d'assumer le mot lancé contre lui.
La dernière exposition collective accueille notamment Seurat et Signac, tandis que les trajectoires individuelles divergent.
Monet systématise les variations d'un même motif et prolonge l'expérience impressionniste vers le siècle suivant.
Le mouvement en profondeur
Pourquoi l'impressionnisme plaît encore autant ?
Le plaisir de regarder ces tableaux tient notamment aux contrastes de lumière et aux touches de couleur que l’œil relie à distance. Dans Les Coquelicots de Monet, les points rouges animent la prairie ; dans Boulevard Montmartre, effet de nuit de Pissarro, les éclairages urbains organisent la perspective. Les mêmes questions — lumière, couleur, profondeur — produisent des effets très différents.
Le sujet compte autant que la technique. Les impressionnistes peignent les paysages, mais aussi les trains, les cafés, les répétitions et les intérieurs. Pour comparer les regards, rapprochez Les Raboteurs de parquet de Caillebotte, Le Berceau de Morisot et Le Bain de l’enfant de Cassatt : travail manuel, lien familial et gestes quotidiens deviennent chacun le centre de la composition.
La sensation d’un instant saisi ne signifie pas que l’œuvre a été exécutée sans préparation. Cadrage, diagonales, contrastes et répétition des motifs construisent cette impression. Degas, en particulier, élabore ses scènes de danse selon des points de vue et des techniques variés, du petit panneau peint aux grands pastels.
La sélection dépasse les seules expositions collectives de 1874 à 1886. Elle comprend des œuvres antérieures liées à la peinture moderne, puis des séries et recherches tardives de Monet, Renoir ou Pissarro. Les dates et les collections permettent de situer chaque tableau sans confondre la période des expositions et l’ensemble des carrières.
Pour une reproduction, commencez par choisir une composition que vous souhaitez regarder au quotidien. Comparez ensuite son orientation et ses proportions à l’espace disponible. Les dimensions des notices sont celles des originaux ; la fiche de chaque reproduction précise les formats proposés.
Quatre clés de lecture
Quatre questions pour observer un tableau
Sujet moderne, cadrage, touche et temps permettent de lire l'impressionnisme sans le réduire à une aimable brume. Chaque tableau choisit une distance et une vitesse de regard particulières.
Identifier le présent
Une gare, une répétition ou une promenade indiquent comment les artistes observent leur propre époque.
Suivre les coupes
Figures décentrées et perspectives obliques donnent l'impression que la scène continue hors du cadre.
Voir la couleur travailler
Les coups de pinceau juxtaposés construisent lumière, matière et mouvement sans polir toute la surface.
Chercher l'instant
Saison, heure et météo modifient le motif jusqu'à faire du changement lui-même le véritable sujet.
Atlas de la modernité
Continuer après la dernière touche
Retrouvez les collections consacrées aux artistes et consultez les références muséales pour approfondir leur histoire. Les sources de chaque notice permettent d’identifier précisément l’œuvre illustrée.
Dans Alpha Reproduction
01Claude MonetArtistes et reproductions02Pierre-Auguste RenoirArtistes et reproductions03Edgar DegasArtistes et reproductions04Édouard ManetArtistes et reproductions05Gustave CaillebotteArtistes et reproductions06Berthe MorisotArtistes et reproductions07Camille PissarroArtistes et reproductions08Alfred SisleyArtistes et reproductions09Mary CassattArtistes et reproductions10Paul CézanneArtistes et reproductions11Reproductions impressionnistesCollections & guides12Tableaux célèbresCollections & guides13Tous les tops peintures célèbresCollections & guides14Reproductions Claude MonetCollections & guides15Toutes les reproductions de tableauxCollections & guidesMusées et références
01Wikipedia - ImpressionnismeMusée & référence02Wikidata - ImpressionnismeMusée & référence03Wikimedia Commons - ImpressionnismeMusée & référence04Musée d'Orsay - ImpressionnismeMusée & référence05The Met - ImpressionismMusée & référence06National Gallery — ImpressionnismeDéfinition et repères historiquesQuestions fréquentes
Questions fréquentes sur l’impressionnisme
Les réponses essentielles pour comprendre le groupe, distinguer ses artistes et reconnaître les tableaux qui ont réellement changé la peinture moderne.
Qu’est-ce qui caractérise une peinture impressionniste ?
Une touche visible, des ombres colorées et une attention aux effets de lumière sont des indices fréquents. Les sujets comprennent les paysages, les loisirs, le travail et la vie urbaine. Ces critères varient selon les artistes : Degas privilégie souvent les figures et les intérieurs, tandis que Monet explore longuement les paysages et les reflets.
Quand l’impressionnisme apparaît-il ?
Le mouvement se développe dans les années 1860 et s’affirme avec la première exposition indépendante de 1874 à Paris. Le groupe organise huit expositions jusqu’en 1886. Cette dernière date clôt les expositions collectives, mais pas la carrière des artistes : Monet, Renoir et Pissarro poursuivent ensuite leurs recherches.
Quels peintres sont représentés dans cette sélection ?
La sélection réunit Monet, Renoir, Degas, Morisot, Pissarro, Sisley, Cassatt et Caillebotte, ainsi que Manet et Cézanne pour éclairer les origines et les prolongements du mouvement. Elle comprend des paysages, des portraits, des scènes de danse, de travail et de loisirs.
Pourquoi Manet et Cézanne figurent-ils dans cette sélection ?
Manet joue un rôle majeur dans la peinture moderne, mais ne participe à aucune des huit expositions impressionnistes. Cézanne expose avec le groupe en 1874 et en 1877, puis développe une démarche distincte. Leur présence permet de comprendre les échanges entre artistes sans attribuer à tous le même parcours.
Tous les tableaux impressionnistes sont-ils peints en plein air ?
Non. Le travail devant le paysage compte beaucoup pour Monet, Sisley et Pissarro, mais il ne résume pas le mouvement. Degas travaille fréquemment en atelier ; portraits, scènes de théâtre et intérieurs impliquent d’autres méthodes. Une impression de spontanéité peut aussi résulter d’une composition soigneusement préparée.
Quels tableaux regarder pour commencer ?
Commencez par Impression, soleil levant de Monet pour les reflets et la lumière, Bal du moulin de la Galette de Renoir pour la foule, Le Berceau de Morisot pour l’intimité et Rue de Paris, temps de pluie de Caillebotte pour le cadrage urbain. Comparez ensuite ces œuvres aux scènes de répétition de Degas.
Pourquoi faut-il préciser la version d’un tableau ?
Un même titre peut désigner plusieurs œuvres aux dates, dimensions et collections différentes. Monet peint plusieurs Grenouillère, Pont japonais et Nymphéas ; Degas reprend ses scènes de danse. Chaque notice identifie donc la version illustrée et fournit une source pour vérifier ses repères.
Comment choisir une reproduction impressionniste ?
Comparez la composition, les couleurs dominantes et le format avec l’emplacement prévu. Une vue panoramique et un portrait vertical occupent le mur différemment. Vérifiez ensuite les dimensions et les caractéristiques de la reproduction sur sa fiche produit : les dimensions indiquées dans les notices concernent les œuvres originales.
Repères historiques : The Met — Impressionism: Art and Modernity ; Musée d’Orsay — Manet et Degas ; Musée d’Orsay — Cézanne et les expositions.
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